Residenzprogramme

Jimmy Robert wurde 1975 in Guadeloupe geboren. Er studierte an der Goldsmiths Universität in London und trat anschließend eine Residenz an der Rljksakademie in Amsterdam an. Heute lebt er in Berlin, wo er an der UdK als Professor tätig ist. Roberts künstlerischer Ausdruck erstreckt sich von Fotografie, über Skulpturen, Film und Video, bis hin zu kollaborativer Performance.
Die Galerie Artspace Aoteraroa bietet eine Bühne für die erste Einzelausstellung des Künstlers in der Region Moana-nui-a-Kiwa. Sie präsentiert Roberts wegweisende Performance Joie Noire, die Anfang 2019 in dem KW Institute of Contemporary Art, Berlin, erstmals aufgeführt wurde. Die Performance wurde nun in eine speziell für Artspace Aotearoa konzipierte Ausstellung umgewandelt. Roberts Arbeit umfasst Aspekte des Lebens: die Bedeutung des Erwachsenwerdens, eine instrumentalisierte Pandemie und die vielen, oft überraschenden Orte, an denen wir Solidarität finden. Im Kontext der New Yorker Clubszene der 1980er Jahre und durch Robert‘s Arbeit interpretiert werden wir eingeladen, uns mit unserem eigenen Körpern durch konstitutive Elemente der ursprünglichen Performance zu bewegen. Das Navigieren dieser Erfahrungen umfasst Selbstbestimmung und auferlegte Beschränkungen, auf die in einer Vielzahl von Kontexten von Robert‘s Arbeit hingewiesen wird. Die Neukonfiguration der Arbeit wird Fotografie, Audio, Video und räumliche Interventionen umfassen.

Joie Noire wird die zweite Ausstellung von Aotearoa Artspace im Ausstellungszyklus 2024 sein, die sich mit der Frage "Do I need territory?" befasst. Eröffnet wird die Ausstellung am Freitag dem 19.04.24 und kann anschließend bis zum 06.07.24 besucht werden. Am Donnerstag 11.04.24 spricht Jimmy Robert in Rahmen eines Künstlergesprächs über seine Arbeit. 
 

AN JAY (Andreas Chetkowski) ist deutscher Hip-Hop-Künstler mit über 20 Jahren Erfahrung im Musikgeschäft. Von 2000-2015 produzierte und performte er in zahlreichen Musik- und Theaterprojekten in Berlin, darunter das Deutsche Theater, 48 Stunden Neukölln, Berlin Lacht und Interkunst. Außerdem tritt An jay regelmäßig in Kulturprojekten der Deutschen Botschaft und des Goethe-Instituts in Bulgarien, Polen, der Türkei, Tunis und Simbabwe auf. Seit fünf Jahren arbeitet An jay interdisziplinär mit Kunstschaffenden aus verschiedenen Genres, vor allem der Malerei und der Performance, zusammen. In seiner künstlerischen Arbeit spielt er mit der Interaktion zwischen natürlicher Umgebung und digitalen Medien. Dabei konzentriert er sich auf das Zusammenspiel von digitalen und analogen Darstellungsformen.

Neben der Musik hat An Jay in den letzten sieben Jahren in Lublin (Polen) und Veliko Tarnovo (Bulgarien) als DAAD-Dozent gearbeitet. Außerdem schreibt er an seiner Doktorarbeit in Philosophie, die sich mit Informationsstrukturen im digitalen Zeitalter beschäftigt.

Während seiner Zeit in Neuseeland wird An Jay, neben eigenen Auftritten und Vorträgen, Rap-Workshops an Schulen geben. In diesen Workshops vermittelt er die deutsche Sprache mit Hilfe von Rhythmen und Wortspielen, um die Schüler*innen beim Deutschlernen zu unterstützen. An Jay besucht hierfür Schulen in Wellington, Christchurch, Dunedin und Auckland.   ©Andreas Chetkowski

Clara ist Autorin, Game Designerin & Geschäftsführerin bei machina eX. 

1987 in Blankenburg/Harz geboren, studierte sie Kreatives Schreiben und Kulturjournalismus an der Universität Hildesheim in Deutschland. Von 2008 bis 2011 war sie Mitherausgeberin der zeitgenössischen deutschsprachigen Literaturzeitschrift BELLA triste sowie Mitglied der künstlerischen Leitung und Projektleiterin des Literaturfestivals PROSANOVA 2011 in Hildesheim.

Für ihr literarisches Werk wurde sie mehrfach ausgezeichnet, u. a. mit einem Preis des Jungen Literaturforums Hessen-Thüringen sowie einem Stipendium des Freistaats Thüringen. Seit 2014 arbeitet sie mit dem Theaterkollektiv machina eX zusammen. Hier hat sie seit 2018 die Leitung inne. 

Das Kollektiv hat sich vor allem auf interaktive Bühnenabenteuer spezialisiert, indem es die Schnittmenge von Theater und Computerspielen erforscht. Durch die Kombination moderner Technologien mit den Mitteln des klassischen Illusionstheaters schafft machina eX immersive, spielerische Theaterstücke, die gleichzeitig begehbare Computerspiele sind. Ihre Aufführungen wurden in der Washington Post und verschiedenen renommierten deutschen Zeitungen positiv besprochen. 

Nachstehend finden Sie einige Kritiken: 

“Clever computer-game-like entertainment” ”Although [...] fun to play, it also serves as a bizarre sociological experiment.” listed on “11 things to do in the D.C. area”.
– The Washington Post

“Flexibilität und die Offenheit verleihen den 'Machina eX' Inszenierungen ihren Reiz. Sie gehören fraglos zu den am konsequentesten konzipierten Verbindungen zwischen Game und Theater.”
– Spiegel Online

“Das ist die Zukunft des Theaters! Gameplay und Theater: Das beste aus beiden Welten vereint.”
– Bayrischer Rundfunk


 

Jan Philip Steimel erfindet, programmiert und lötet elektronische Apparaturen für theatrale Spiele bzw. spielerische Theaterwerke. Er interessiert sich besonders für die künstlerische Auslotung der Schnittstellen von performativen Künsten und Technologie. Zwischen Theater, Computerspielen und Installationskunst sucht Philip ständig nach neuen Wegen, wie Objekte, Computer und Menschen miteinander agieren können. Dafür taucht er tief ins Gebiet physischer Computerarbeit und Interaktions-Design ein, um einzigartige und manchmal auch seltsame Erfahrungen zu kreieren. 

Philip unterrichtet Spiele-Design durch und mit Theater, digitaler Theatertechnologie und ist an mehreren Open Source Projekten beteiligt. Philip ist Teil des Theaterkollektivs machina eX (real life game theatre) und gemeinsam entwickeln sie spielbare Theaterstücke, die zugleich begehbare Computerspiele sind. machina eX forscht seit 2010 an der Schnittstelle von Theater und Computerspiel. Das siebenköpfige Medientheaterkollektiv produziert partizipatives Game-Theater. machina eX kombiniert moderne Technologien mit Mitteln des klassischen Illusionstheaters, Gamedesign und Literatur und schafft so immersive Theatererfahrungen. Seit ihrer Gründung haben sie in Europa, den USA und Großbritannien über 25 Live-Games entwickelt.

In seiner Freizeit bastelt Philip an Code, der Formen füllt und Storytelling Werkzeuge oder 3D-gedruckte Modelle von Dingen, die mal mehr, mal weniger nützlich sind, erzeugt. Sein Herz schlägt für Open Source Hardware und er träumt von Fablabs und elektronischen Elefanten.

Während seiner virtuellen Künstlerresidenz wird Philip an einem interdisziplinären Performance-Projekt  mit dem Arbeitstitel "The Hitchhiking Robot" arbeiten - einer Kollaboration mit lokalen Künstler*innen und Technologie-Talenten.


 

Anna Peschke arbeitet als Regisseurin und bildende Künstlerin in Europa und Asien. Ihre Arbeiten schaffen neue Ausdrucksformen im Spannungsfeld von Performance, Peking-Oper, Installation und Neuer Musik. Seit 2012 inszeniert Anna Peschke zeitgenössische Peking-Opern, wobei sie sich besonders für die Tradition, die Darstellungsregeln und deren Überschreitungen interessiert.
 
Nach „Woyzeck“ als Soloperformance mit Peking-Oper-Elementen folgte 2015 „Faust – eine Recherche durch die Sprache der Peking-Oper“, als Kooperation der italienischen Theaterstiftung ERT und der China National Peking Opera Company (CNPOC). Dazu schrieb der Tagesspiegel: „Die Theatermacherin hat in China künstlerisches Neuland erobert.“ 2017 bekam die Inszenierung die Auszeichnung als „Nationales Leuchtturmprojekt für exzellentes Theater“ des Kulturministeriums der Volksrepublik China und der Kulturabteilung der Stadt Peking.
 
Im Dezember 2019 feierte ihr Werk „Der Ring des Nibelungen – Peking-Oper trifft Musiktheater“ im Radialsystem Berlin Premiere. Anna Peschke erhielt 2015 den Tanz- und Theaterpreis der Stadt Stuttgart und des Landes Baden-Württemberg sowie 2011 den Berliner Opernpreis.
 
Parallel zu ihrer Theaterarbeit beschäftigt sich Peschke mit Rauminstallationen, Collagen und Bühnenbild, wobei sie sich besonders für die Themen Klimawandel, Rituale und Dinglichkeit interessiert.

In Wellington wird Anna Paschke innerhalb einer zweimonatigen Residenz an dem interdisziplinären Performance-Projekt „The Quiet Living of Lost Things“ arbeiten – eine Kollaboration deutscher und neuseeländischer Künstler*innen, die in einer genreübergreifenden Inszenierung  die wunderliche Geschichte eines einarmigen 15-jährigen Mädchens zum Leben erwecken: Räumliche Performance, Installation, Live-Hörspiel und Objekttheater verschmelzen zu einem intensiven und unvergesslichen künstlerischen Erlebnis. Oder um es in den Worten des neu zusammengefunden Künstlerkollektivs zu sagen: es wird tiefgründig, dunkel, riskant und wunderschön zugleich.

Vanja Smiljanić (*1986 Belgrad/Serbien) ist eine Bildende- und Performance- Künstlerin, die in Köln lebt und arbeitet. In ihrer Arbeit nutzt sie oftmals das Modell des Performance-Vortrages als Brücke zwischen eines fiktiven und einem erlebten Universums. Dabei nutzt sie technische Apparate, Diagramme und Sci-Fi-Povera Skulpturen.

Unvergleichliche Reality-Systeme verbindend, belegt Vanja Smiljanić‘ Arbeit die Grundlage von Ideologien als entfremdete Regime, die in ihrem eigenen Körper als Resonanz der Erzählung wiederkehren, oft wechselnd zwischen der Rolle einer Geschichtenerzählerin und eines Orakels.

Auf verschiedenen Festivals und Institutionen hat sie bereits ihre Arbeit präsentiert, u.a. im Schauspiel Köln, auf dem Drodesera Perdormance Festival oder dem Padiglione d’Arte Contemporanea Milano.

In Wellington wird Vanja Smiljanić innerhalb einer vierwöchigen Residenz zu ihrem feministischen Projekt zur Autorin und Anführerin der Amerikanischen Frauenbewegung des 20. Jahrhunderts, Charlotte Perkins Gilman, recherchieren. Dabei fokussiert sie sich auf ihre Arbeit „Herland“ (1915), in der es um eine matriachalen Utopie geht, welche eine isolierte Gesellschaft bestehend aus Frauen, ihrer Asexualität und Egalitismus, beschreibt. Diese bereitet Smiljanić in einer multi-medialen Vortrags-Performance auf.

Während ihres Aufenthalts in Wellington forscht sie speziell zur neuseeländischen feministischen Bewegung der “mana wāhine” und “Pākehā”.

Milan Gessner ist ein Berliner Künstler, dessen Arbeit von der Ausdruckskraft des (bewegten) Bildes lebt. Seine Werke reichen von der Illustration über den Animations- und Dokumentarfilm bishin zu Streetart. Häufig arbeitet er mit anderen Künstlern zusammen und visualisiert deren Texte und Ideen.

Aus den Kooperationen Gessners mit internationalen Künstlern sind neben mehreren Graphic Novels zu Spoken-Word-Texten auch Videoarbeiten für Theaterproduktionen entstanden.
Gessners neuste große Arbeit ist der handgezeichnete Animationsfilm Porzellan, zum gleichnamigen Song von Joe Madog. Der Film wurde 2017-2018 weltweit auf einer Vielzahl von Filmfestivals gezeigt und im Staff-Pick-Programm des Videoportals vimeo ausgezeichnet.

Seine Arbeiten veröffentlicht Gessner unter dem Pseudonym Cité Noir.

Während seiner Zeit in Wellington ist Milan Teil des interdisziplinären Kunstprojekts "Dry Waters - The Pacific Ocean", welches am 24. Februar, 18 Uhr auf der Performance Arcade präsentiert wird.

Övül Durmusoğlu ist Kuratorin und Autorin. 2019 war sie als Residenzkünstlerin zu Gast in Christchurch.

Hanno Leichtmann (*1970 in Temeswar/Rumänien) ist ein Produzent elektronischer Musik, Soundartist und Kurator von Konzeptfestivals für elektronische Musik. Ursprünglich aus der Improvisierten Musik (Schlagzeug) kommend, widmete sich Leichtmann ab 1998 der elektronischen Musik. Durch zahlreiche Kollaborationen und Projekte im Bereich der experimentellen und der Minimal Music hat er sich einen Namen gemacht.

Hanno Leichtmann komponierte mit Lars Rudolph den Soundtrack zu Sasha Waltz´ Erfolgsstück „Allee der Kosmonauten“ und zum dazugehörigen Film. Er hat bisher fünf Alben veröffentlicht, die neuesten heißen „Unfinished Portrait of Youth Today“ und „Minimal Studies“. Leichtmanns moderne Version von Minimal Music ist eng verbunden mit Dub, Ambient und Club Music.

Er veröffentlichte den Soundtrack zu Christoph Schlingensiefs Film “The African Twin Towers” (2005-2009). Sein Soloprojekt trägt den Namen „Static“ und er ist Mitglied der Bands „Groupshow“ (mit Jan Jelinek und Andrew Pekler) und „Denseland“ (mit David Moss und Hannes Strobl). Mit „Groupshow“ vertonte er mehrmals den achtstündigen Andy Warhol Klassiker „Empire“. Ab 2008 kuratierte er mehrere Festivals und Clubreihen in Berlin. Außerdem steckt Leichtmann hinter dem Label „picture/disk“.

Seit 2013 arbeitet Leichtmann mit Klangarchiven. Für seine vorletzte Arbeit „Nouvelles Aventures“ bekam er ein Arbeits- und Recherchestipendium der Stadt Berlin im Bereich Neue Musik/Klangkunst. Im Moment arbeitet er an einer Klanginstallation für das „100 Jahre Beat“ Festival im Haus der Kulturen der Welt Berlin. Die Installation basiert nur auf Klängen von Schlagzeugern und Perkussionisten, die ihn beeinflussten und inspirierten.




 

Janine Eisenächer (*1983 in Stassfurt/ DE) ist seit 2006 als freischaffende Performancekünstlerin, Kuratorin und Autorin tätig. Ihre recherchebasierte Performance-Praxis hat sie innerhalb verschiedener kollektiver Zusammenhänge in Berlin entwickelt, die sie mitgegründet hat, beispielsweise im Berlin n@work (2005-2011, mit Jörn J. Burmester, Florian Feigl, Nicolas Galeazzi, Joy Harder und Otmar Wagner), in der künstlerisch-wissenschaftlichen Gruppe (e)at_work (2006-2011, mit Michael Conrad, Joy Harder, Julia Hielscher-Szegedi und Sonja Winkel) und im Performance-Duo Eisenächer/Harder CLAIMS (2006-2011, mit Joy Harder). In diesen Gruppen wie auch in ihren Solo-Arbeiten setzt sich Eisenächer hauptsächlich mit den Themen Arbeit und Zusammenarbeit (von Künstler*innen) sowie mit den Politiken und Ökonomien im Kunstfeld auseinander und bearbeitet darin Fragestellungen zu Identität, Gender, Sorge, Solidarität, (Post-)Kolonialismus und Rassimus. Desweiteren beschäftigt sie sich mit ethnologischen Phänomenen (Anthropophagia, Vaudou, Cargo-Kulte), mit Rap- und Hip-Hop-Kulturen, mit Beziehungen und Wechselwirkungen zwischen Kunst, Feminismus und Aktivismus, und arbeitet zu Fragen von Selbstorganisation und Institutionalität.
 
Eisenächer entwickelt repräsentationskritische Gruppen-, Duo- und Solo-Performances in multidisziplinären Formaten, die wesentlich mit Strategien der  Aneignung arbeiten und stets Emanzipation, Selbstermächtigung und Transformation zum Ziel haben. Für die Herstellung ihrer performativ-installativen Reflexionsräume verwendet sie eigene und fremde Texte, verschiedene Objekte und Materialien, ihre Stimme, Sound- und Videoarbeiten. Ihre Performances präsentierte sie bisher in verschiedenen Festivals und Veranstaltungen in Europa und Nordamerika, vorwiegend in nicht-institutionellen Kunstkontexten.
 
Neben ihrer Performance-Praxis ist Eisenächer als Kuratorin und Autorin mit Fokus auf Performancekunst und kulturpolitische Fragen tätig. Sie war Co-Kuratorin und -Organisatorin der monatlichen Veranstaltung Performer Stammtisch in Berlin (2007-2011, mit Aline Benecke, Jörn J. Burmester, Florian Feigl und Siân Robinson Davies), der Platform Young Performance Artists in Berlin (2010 und 2011, mit Neil Jefferies) sowie einiger kleiner Performanceveranstaltungen in Berlin und Montréal. Am Berliner Künstler*innenhaus und Kunstverein Flutgraben e.V., in dem sie seit 2009 Vorstandsmitglied ist, hat sie mit der künstlerisch-kuratorischen, kollektiven institutionskritischen Praxis Inverse Institution (2011-2015, mit Sönke Hallmann, Lydia Hamann, Kaj Osteroth, Jo Zahn und Inga Zimprich) das künstlerische Programm des Vereins realisiert und die Strukturen des Vereins bearbeitet. Derzeit arbeitet sie mit ihren Kolleg*innen an einer Rekapitulation, Workshop-Reihe und Publikation zu dieser Praxis. Im letzten Jahr hat Eisenächer das Rechercheprojekt Wie wollen wir zusammenarbeiten? mitinitiiert (mit Karolina Dreit, Aiko Okamoto und Felicita Reuschling), in dem sie anhand von Fragebögen und Workshops Bedingungen und Formen der oftmals prekären Zusammenarbeit in selbständiger Kulturproduktion untersucht.
 
Eisenächer hat an der Freien Universität Berlin Theaterwissenschaft, Allgemeine und Vergleichende Literaturwissenschaft und Philosophie studiert und ist Magistra Artium für Theaterwissenschaft. In ihrer Abschlussarbeit PERFORMANCE ART SOUNDS. (bei Prof. Dr. Doris Kolesch) untersuchte sie die Relevanz material- und handlungsbasierter Geräusche und Klänge in zeitgenössischer Performancekunst, was weiterhin eines ihrer Forschungsthemen (und Teil ihrer Performance-Praxis) ist. Janine Eisenächer lebt und arbeitet in Berlin.




 

 

Marc Brandenburg wurde 1965 in Berlin geboren und verbrachte seine Kindheit in den USA und in Deutschland. Heute lebt und arbeitet er in Berlin.

Der Autor Oliver Koerner von Gustorf schreibt: "Marc Brandenburg vereint Zeichnung mit einer räumlichen, fast filmischen Erfahrung, die sich sowohl in der Zeichnung abspielt als auch dreidimensional in den Raum fortsetzt. Seitdem er 2002 in der Ausstellung Hirnsturm in der New Yorker Galerie Paul Morris seine Zeichnungen in einem komplett schwarzen Raum unter Schwarzlicht zeigte, hat er in zahlreichen Installationen und Werken versucht, den Betrachter körperlich mit in das gezeichnete Kopfkino einzubeziehen. Die Zeichnungen werden dabei immer zu Sequenzen montiert. (...) Brandenburg inszeniert seine Bilder wie eine Choreografie, die sich von Zeichnung zu Zeichnung fortsetzt. Dabei geht es ihm um das Dazwischen, um das, was passiert, wenn man von einem Motiv zum anderen sieht: 'Das ist etwa wie ein Schnitt im Film, oder wie bei Einzelbildern, aus denen sich ein Film zusammensetzt. Das ist eher, als ob man versucht eine Aura bildlich darzustellen.'

Für seine Ausstellung Normex entwickelte er eine gigantische Schatten- und Projektionswelt, für die er auf Folie geplottete Zeichnungen wie Filmstreifen sampelte. Während sich im ersten Ausstellungsraum zwei Streifen gegenläufig um die die Wand ziehen, erzeugen im zweiten Schwarzlichtraum unzählige Motivstreifen einen flirrenden, op-artigen Effekt, die totale visuelle Überforderung. Zugleich wird der Betrachter in diesen Schwarzlicht-Installationen selbst zu so etwas wie einer grafischen, im Dunklen glimmenden Zeichnungsfigur, die von schwebenden Bildern umgeben und gleichermaßen erfüllt ist. Brandenburg behandelt sowohl den gezeichneten als auch den realen Körper als Behausung, als Bildraum, in dem Bilder verarbeitet und wie Visionen gesehen werden.

Bereits Anfang der 2000er-Jahre begann Marc Brandenburg, die Motive seiner Zeichnungen als transparente Sticker in einer limitierten Auflage anzufertigen. Ab 2003 entstanden Installationen, für die er Fenster von Bars und Museen mit Hunderten von Stickern beklebte, die Cluster in unterschiedlicher Dichte bildeten. 2009 entstand für den Berliner Club Berghain eine gigantische Siebdruckarbeit mit einem Ornament aus zeichnerisch gesampleten Mechaniken von Rummelplatzgeräten, das an einen Rorschach-Test erinnert.

Der Bildkörper wird hier zum Resonanzkörper, auf die die unterschiedlichsten Bilder und Sinneseindrücke einprallen. Dieses Prinzip führt Brandenburg auch mit seinen temporären Tattoos  konsequent weiter. Er deklariert seine ebenso wie die Sticker auf Zeichnungsmotiven basierenden Tattoos sehr entschieden als Kunst, gleichwertig mit seinen anderen Werken. Der Körper wird zum Schauplatz einer Miniretrospektive von Brandenburgs Werken, die überall im Stadtraum auftauchen kann: an der Ampel, in der Sauna oder im Theater. Zugleich ist er auch das, was die anderen Körper auf Brandenburgs Zeichnungen sind – ein Haus der Bilder."

Zwischen dem 26.02. und dem 24.04.2016 werden seine Arbeiten in der "Linie Line Linea" Ausstellung bei der Adam Art Gallery Te Pātaka Toi in Wellington zu sehen sein.

 

Uta Plate wurde 1968 in Schleswig geboren. Sie studierte Kulturpädagogik an der Universität Hildesheim und übernahm im Anschluss die Leitung der afrikanisch-deutschen Theatergruppe Rangi Moja.

Ihre Publikation »Fremd bleiben« beschreibt die interkulturelle Theaterarbeit (Koautorin Wiebke von Bernstorff, IKO-Verlag, 1997). Von 1996–99 übernahm sie am Theater Nordhausen Leitung und Regie des Projekts »Theater im Knast« an einer Jugendstrafanstalt. Es folgt die Entwicklung von Theaterstücken sowohl mit Senioren im Altersheim als auch mit Kindern in Asylheimen. Seit der Spielzeit 1999/2000 bis Ende 2014 war Uta Plate als Theaterpädagogin an der Schaubühne Berlin beschäftigt. Hier vermittelte Uta Plate dem Publikum über Workshops und Publikumsgespräche einen inhaltlichen Einstieg in die Inszenierungen und kooperiert mit Schulen. Am Haus leitete sie außerdem das Jugendtheaterprojekt DIE ZWIEFACHEN für Jugendliche, die aus sozial benachteiligtem Umfeld kommen. Die Stücke wurden über Improvisationen, Schreib- und Bewegungsworkshops gemeinsam entwickelt. In einigen internationalen Kooperationen hatten DIE ZWIEFACHEN die Möglichkeit, mit Jugendlichen aus England, Brasilien und Ungarn zu arbeiten. Im Rahmen des Festivals CONTACTING THE WORLD (Liverpool/2008) konnten sie ihre Kollaboration mit dem Aahoran Theatre aus Nepal präsentieren.

Zudem gibt Uta Plate international Theater- und Bewegungsworkshops, u. a. in Santiago de Chile, Beijing, Istanbul, Helsinki, Ramallah und Alexandria (Rumänien). Am BACKA Theater in Göteborg erarbeitete sie Anfang 2013 das Stück »Run For Your Life« mit zehn Jugendlichen und fünf Schauspielern aus Eritrea, Iran, Irak, Marokko und Schweden.

In Neuseeland wird Uta Plate mit Toi Whakaari Studenten ein Stück entwickeln und Workshops leiten. Darüberhinaus wird Uta mit Jugendtheatergruppen zusammenarbeiten und Performance Workshops in Jugendgefängnissen geben.

Die Künstlerin Tina Schulz war 2014 als Residenzkünstlerin zu Gast in Neuseeland.

Maike Wetzel ist Schriftstellerin, Theater- und Drehbuchautorin. 2014 war sie zu Gast in Wellington