Alumni der Vila Sul

Deutschland

Cate Lartey ist Künstlerin und Kuratorin aus Düsseldorf. Sie hat Retail- und Kommunikationsdesign an der Peter Behrens School of Arts in Düsseldorf studiert. Zudem absolvierte sie ein Masterstudium an der Kunsthochschule für Medien in Köln mit dem Schwerpunkt Kunst- und Medienwissenschaften. In ihrer künstlerischen und kuratorischen Praxis widmet sie sich der visuellen und materiellen Kultur, mit einem Fokus der insbesondere auf Afrika, dessen Diaspora und darüber hinaus liegt. Dies erforscht sie mittels Fotografie, Publikationen und Medienkunst. Ein ästhetischer und intellektueller Dialog steht im Zentrum ihres Schaffens.

Sie arbeitete unter anderem mit der Kunstsammlung NRW, dem KunstvereinKöln, dem Dortmunder U und der Hochschule Düsseldorf zusammen.2020 stellte sie ihre fotografische Arbeit „Clothes of dead white people“ beim „Fluctoplasma“ in Hamburg aus. Im Dortmunder U gestaltete sie als freie Kuratorin zwischen 2021 und 2022 dasRahmenprogramm für die Ausstellung EFIE. The Museum as Home. Kunst aus Ghana. Im Jahr 2023 war sie Co-Kuratorin der Ausstellung "Point of" im Rahmen des f2 Fotofestivals im Kulturdepot Dortmund.

"Die Residenz in Salvador de Bahia animiert mich in vielerlei Hinsicht, nicht nur weil es eine einzigartige und bereichernde Erfahrung sein wird, sondern auch weil sie mir neue Wege eröffnet, um mich mit dem Reichtum und der Grenzenlosigkeit der afro-brasilianischen Hybridität, speziell in Salvador de Bahia, zu verbinden und in Beziehung zu setzen."

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Südafrika

Huda Tayob ist eine südafrikanische Architektin, Architekturtheoretikerin und -historikerin. Ihre Forschung konzentriert sich auf die Architekturen von Minderheiten, Migranten und Subalternen. Sie ist Mitkuratorin des frei zugänglichen Lehrkurses Racespacearchitecture.org und Hauptkuratorin der digitalen Plattform Archive of Forgetfulness. Auf der 18. Internationalen Architekturausstellung in Venedig (2023) stellte sie mit einem Projekt namens Index of Edges aus, welches aquatische Archive, Methoden und Geschichten von migrantischer Architektur entlang der ostafrikanischen Küste von Kapstadt, Südafrika, bis nach Port Said, Ägypten, nachzeichnet. Derzeit arbeitet sie an einem Manuskriptprojekt mit dem Titel 'Opaque Architectures: Black Markets as Infrastructures of Care' - ein Projekt, das transnationale Orte von afrikanischen Migranten als Möglichkeitsräume herausarbeitet.

"Opaque Architectures ist ein Schreib- und Forschungsprojekt, dass das alltägliche Leben von Architektur und urbaner Umgebung mit der Literatur postkolonialer, dekolonialer und subalterner Studien sowie den black studies verbindet. Vor diesem Hintergrund wird der Frage nachgegangen, wie man Orte und Räume, die von marginalisierten afrikanischen Menschen bewohnt werden, neu denken kann. In der Vila Sul würde ich gerne den theoretischen Rahmen für dieses Schreibprojekt ausbauen und weiterentwickeln. Durch die Auseinandersetzung mit verschiedenen Forscherinnen des Globalen Südens soll der Frage nachgegangen werden, wie ein nachhaltiger Urbanismus aussehen könnte, wenn marginalisierte und migrantische Bevölkerungsgruppen in den Vordergrund gestellt werden. Insbesondere die Gruppen, die inmitten erzwungener Vertreibung stehen, ausgelöst durch die Zunahme von Klimakrisen und einem anhaltend hohen Maß an urbaner Gewalt. Wie können wir Theorien und Praktiken entwickeln, um ungesehene urbane Prozesse zu verstehen? Wie setzt sich black urbanisms in den Dialog zu den veränderlichen und flüchtigen Praktiken der Konstruktion eines urbanen Lebens, auf der ganzen Welt, innerhalb und außerhalb des globalen Südens."

Stipendiaten des Programms "Rethinking the South - Repensando Sul" von der KfW Stiftung.

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Brasilien/Deutschland

Jota Ramos (geboren 1989 in Brasilien) ist ein transmaskuliner, nicht-binärer, multidisziplinärer Künstler mit Sitz in Berlin. Ausgehend von autobiografischen künstlerischen Experimenten erforscht Ramos die Praktiken von Performance, Video, Installation, Fotografie und Poesie. Er schafft periphere, dissidente Subjektivitäten, die mit symbolischen, etymologischen sowie Black- und Genderidentitätsreferenzen in Dialog treten. Dabei versucht er durch poetische Reflexion einen heilenden Raum zu schaffen, in dem darüber Nachgedacht wird, wie die Authentizität des dunkelhäutigen Körpers von einer schwarzen Person mit einer hellen Hautfarbe auf eine genuine Weise dargestellt werden kann. Seine Untersuchungen erforschen Werkzeuge zur Schaffung einer antirassistischen und kraftvollen Repräsentation schwarzer Transpersonen, ihrer sozialen Gemeinschaft, Identität und historischen Reise.

"Die Vila Sul Residenz nimmt eine ungemein wichtige Rolle in meiner Forschungsreise ein. Als eine schwarze Transperson die ebenfalls Teil der ballroom community ist, eröffnet dieser Aufenthalt eine Verbindung zwischen Brasilien und Berlin. Als ein Brasilianer, der in Deutschland lebt, tritt “Private Property” als eine Serie von Performances auf, die die komplexen Dynamiken der Inanspruchnahme von trans-Körpern ohne deren Einwilligung erforscht. Diese Residenz bietet eine einmalige Einsicht, um die Komplexität des brasilianischen Kontextes zu untersuchen."
 

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Deutschland

Paula Hildebrandt (*1976 in Berlin) ist Autorin, Filmemacherin und Stadtforscherin, die in ihren Arbeiten literarisches Schreiben, Fotografie, Video, performative Aktion und experimentelle Lehre verbindet. Ihre Texte erschienen in zahlreichen Kunst- und Kulturmagazinen, wissenschaftlichen Sammelbänden, Anthologien und online. Ihr jüngstes Buch ,,Welcome City" (adocs 2022) entwirft Hamburg als Willkommensstadt, eines der »Schönsten Deutschen Bücher 2023«.


"Esu tötete gestern einen Vogel, mit dem Stein, den er heute warf. Können wir das wirklich machen – uns die Zeit aneignen? Das Rätsel der Zeit. Wie umgehen mit einer uns verfolgenden Vergangenheit, wenn wir gleichzeitig in der Gegenwart agieren, mit all seinen Überlagerungen, Kreuzungen und Spuren? Zusammen mit Künstler*innen/Forscher*innen aus Salvador hoffe ich Wege zu erkunden Geschichten zu erzählen, zu zeigen und zu performen."

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  paulahildebrandt.de

Clarissa Rebouças ist eine Theater- und Filmregisseurin, die an der Université Laval/Kanada ihren Masterabschluss gemacht hat. Sie hat mehrere Kurzfilme gedreht und geschrieben, die an nationalen und internationalen Festivals teilgenommen haben. Dazu gehören die preisgekrönten Filme "Desvelo" (2012) und "Émergence" (2018).  Clarissa hat auch an den Drehbüchern brasilianischer TV-Serien wie "Santo Forte" und "Meu irmão nerd" mitgearbeitet. Derzeit widmet sie sich ihrem Langfilmprojekt mit dem Titel "Cine Ruby".

Stipendiatin des Conseil des Arts et des Lettres du Québec (CALQ) in der Residenz Vila Sul

Der selbst bezeichnete Quasi-Künstler ist in den Außenbezirken von São Paulo, im Stadtteil Parada de Taipas geboren und aufgewachsen. Enkel von Rosa und Esmeraldo, ist Diego Crux von der Farbe, die Erinnerungen hervorruft. Er erforscht intime und persönliche Ausrufe, kollektive Erfahrungen, Repräsentation, Design, visuelle Proben und Worte.

Crux hat an Ausstellungen in São Paulo, Curitiba, Accra (GH), Arles (FR) und Kopenhagen (DK) teilgenommen sowie an Residenzen wie Pivô (2020), welche von Thiago de Paula Souza kuratiert wurde sowie am MAM Rio (2021), koordiniert von Camilla Rocha Campos.

Stipendiat des Programms "Rethinking the South - Repensando Sul" von der KfW Stiftung.

Die in Berlin ansässige venezolanische Künstlerin Gotopo sorgt mit ihrer Debüt-EP "Sacúdete" die am 16. Mai unter dem renommierten Label Waxploitation Records veröffentlicht wurde für Aufsehen. Als vielseitige Sängerin, Komponistin, Produzentin und Performerin lässt sich Gotopo von ihrem südamerikanischen Erbe inspirieren. Sie verbindet folkloristische Saiteninstrumente mit techno-inspirierten Beats und erkundet so ihr afroindigenes Erbe.

Ihre Musik zielt darauf ab, der historischen Auslöschung ihres Volkes durch den Kolonialismus zu begegnen, Antworten durch eine anzestralen Futurismus zu finden und die schönen und schmerzhaften Geschichten ihrer Vorfahren miteinander zu verweben. In Caracas, Venezuela, geboren, erhielt Gotopo ihre musikalische Ausbildung in Barquisimeto, das für sein Musikkonservatorium und das Jugendorchestersystem El Sistema bekannt ist, aus dem auch Gustavo Dudamel hervorging.
Kürzlich nach Berlin gezogen, hat sie den Übergang von der Straßenmusikerin zur Teilnehmerin an hochmodernen Musikveranstaltungen beispielswiese im Humboldt-Forum vollzogen. Gotopo zielt darauf ab, die Grenzen zwischen klassischer und Clubmusik, akademischer und Popkultur zu verwischen und Traditionelles mit Zeitgenössischem zu verbinden.

Ihr musikalisches Projekt begann mit der Single "Malembe", in der sie ihre afroindigenen Wurzeln und Spiritualität erkundete. Das Lied vermischt Elektrobeats mit verzerrten Gitarren und Synthesizern und schöpft aus einer afrovenezolanischen Hyme, welche dazu diente, spirituelle Abschiede von versklavten Verwandten zu ermöglichen. Gotopos kommendes Album setzt diese Erkundung fort mit dem Ziel folkloristische Musik neu zu erfinden, indem sie sie mit lebendiger elektronischer Energie aus der Berliner Clubszene verbindet.

Die EP "Sacúdete" ist eine Zusammenarbeit mit dem Produzenten Don Elektron (Ulises Lozano), einem Mitglied der mexikanischen Elektronikband Kinky, der bereits mit verschiedenen Künstler*innen zusammengearbeitet hat. Gotopos einzigartige Verbindung aus klassischer Ausbildung, Wissen über traditionelle Instrumente wie Cuatro und Gitarre sowie ihre Suche nach dem anzestralem Wissen durch Musik machen sie zu einer wahren Innovatorin.

Ihre Musik wird in Berlin gut aufgenommen, mit Auftritten bei Veranstaltungen wie dem X Jazz Festival und als Vorgruppe für Bomba Estereo. Die Innovationskraft, kreative Energie und Unterstützung für Künstlerinnen of Color in der Stadt haben Gotopos künstlerische Reise inspiriert.
Während sie sich an das Leben in Berlin anpasst, lernt sie weiterhin die deutsche Sprache, wie im preisgekrönten Minidokumentarfilm "Gotopo: The Sound of My Destiny" gezeigt wird. Gotopo umarmt die raue und dennoch verführerische Atmosphäre Berlins und ist entschlossen, ihre künstlerischen Grenzen zu erweitern und neue Horizonte in dieser pulsierenden Stadt zu erkunden.

Stipendiatin des MusicBoardBerlin in der Residenz Vila Sul

Odun Orimolade entwickelt ihre Arbeit aus einer experimentellen und vielschichtigen Perspektive transdisziplinärer Ansätze, Forschungen und Zusammenarbeit. Dabei bewahrt sie eine offene Struktur für ihre pädagogische, künstlerische und kuratorische Praxis, indem sie eine Mischung von Ideologien und Weltanschauungen aus verschiedenen Forschungsbereichen kultiviert. Dies führt zu Erkundungen menschlicher Verhaltensweisen, Orientierungen und Interaktionen als Mechanismen zur Navigation. Orimolades Forschungsinteressen drehen sich um Ansätze zur Praxis, kreativer Auseinandersetzung, Navigation und Einflüsse, die die kreative Produktion für positive externe Auswirkungen herausfordern und informieren. Sie erforscht Möglichkeiten für die Entwicklung professioneller Praxis, Lernmedien und Pädagogiken, die frische Wege für flexible kreative Erkundungen bieten. Ihre Forschung hinterfragt auch Themen und Initiativen, die ihre Arbeit fördern oder einschränken. Sie interessiert sich für partizipative Forschungspraktiken als künstlerische Intervention in eine Vielzahl von unterschiedlichen Räumen. Orimolade ist leidenschaftlich daran interessiert Mentorship-Möglichkeiten zu schaffen und trägt in verschiedenen Bereichen kreativer Aktivitäten im Rahmen von Gemeinschaftsprojekten bei.


Stipendiaten des Programms "Rethinking the South - Repensando Sul" von der KfW Stiftung.
 

Mba Bikoro ist eine bildende Künstlerin, die Archäologie, Klangradio, Schrift, Textilien, Skulpturen, Live-Performances, Film und Archive in immersiven Installationen verbindet. In ihrer Arbeit analysiert sie Machtprozesse und wissenschaftliche Fiktionen in historischen Archiven, wobei sie sich kritisch mit Migrationskämpfen und kolonialer Erinnerung auseinandersetzt und sich auf queere indigene und feministische Biopolitik konzentriert. Sie ist Dozentin für visuelle Kulturen und Philosophie am TransArt Institute und künstlerische Leiterin von Lukulule e.V. in Partnerschaft mit dem MARKK Museum. Sie kuratiert Nyabingi Lab mit den Projekten "Decolonise The Green; Nature, Nudism and Colonial Continuities" und "Free State of Barackia: 150 Years of Decolonial Urbanism, Solidarity & New Berlin Utopias" in Zusammenarbeit mit Z/KU und HAU Berlin. Sie moderiert das jährliche Berlinale Filmfestival und ist Mitbegünstigte des Projekts "Somatic Charting" des Institute for Endotic Research.
 

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  Instagram @nbikoro

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  www.anguezomo-bikoro.com

Caroline Gueye ist im Senegal in einem künstlerischen Umfeld unter dem Einfluss ihres Großvaters Paul Ahyi, dem Designer der togolesischen Flagge geboren und aufgewachsen. Ihre Hochschulausbildung hat sie in Frankreich, den Vereinigten Staaten und China absolviert. Sie hat Abschlüsse in Astrophysik, Atmosphärenphysik und Chinesisch und arbeitet derzeit an einer Doktorarbeit über Kunst und Wissenschaft an der Universität in Lyon.

2016 weckte die Arbeit im Atelier des chinesischen Künstlers Qin Chong (亲冲) ihre Vorliebe für Volumen. Seitdem hat sie insgesamt an mehr als dreißig Gruppenausstellungen, Einzelausstellungen und Residenzen auf vier Kontinenten teilgenommen. Auf der Biennale von Dakar 2022 erhielt sie den Preis als beste Künstlerin Westafrikas (ECOWAS-Preis).

Stipendiaten des Programms "Rethinking the South - Repensando Sul" von der KfW Stiftung.
 

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  Instagram @StudioCarolineGueye

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  www.carolinegueye.com

Kalaf Epalanga (1978) ist ein angolanischer Schriftsteller und Musiker lebt aktuell in Berlin. Als Musiker war er Mitbegründer des Plattenlabels Enchufada und ist Mitglied von Buraka Som Sistema (seit 2016 in der Pause). Er hat Kolumnen für die portugiesische Zeitung O Público, das GQ Magazine (Portugal) und das unabhängige angolanische Online-Magazin REDE Angola geschrieben. Derzeit ist er Kolumnist des brasilianischen Literaturmagazins Quatro Cinco Um. In Portugal und Angola veröffentlichte er zwei Sammlungen literarischer Chroniken: "Estórias de Amor para Meninos de Cor" <Liebesgeschichten für farbige Kinder> und "O Angolano que Comprou Lisboa (Por Metade do Preço)" <Der Angolaner, der Lissabon kaufte (zum halben Preis)>.

2021 kuratierte er das Afrikanische Buchfestival Berlin „Também os Brancos Sabem Dançar" <Auch Weiße können tanzen>.
Sein Debütroman, wird von Daniel Hahn ins Englische übersetzt und im Sommer 2023 bei Faber erscheinen.

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  Instagram @kalafepalanga

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  kalafepalanga.com

Rafael Giles Martinez ist ein Schriftsteller, der 1985 in Mexiko geboren wurde. Er schloss sein Studium an der Fakultät für Architektur, Design und Kommunikation der Universität La Salle/Mexiko im Jahr 2008 ab. Danach war er in verschiedenen Redaktionen in den Bereichen Kommunikation, Verlagswesen und Produktion tätig. Er hat einen Postgraduierten-Abschluss in Programmevaluation von der Université du Québec an der Ecole Nationale D'Administration Publique (ENAP) und spricht neben Spanisch auch Englisch und Französisch. Rafael kann ein breites Spektrum an Berufserfahrungen vorweisen, da er im Forum des Filmfestivals Festival des Nouveau Cinéma (FNC), für die internationale Organisation der französischsprachigen Welt, l'Organisation Internationale de la Francophonie (OIF), und an der kanadischen Universität l'Université du Québec à Montréal (UQAM) gearbeitet hat. Darüber hinaus hat er Erfahrungen in den Ateliers für digitales literarisches Schaffen und im Projekt The Publication as a Space for Artistic Exhibition am Center for Digital Culture (CCD)/Mexiko gesammelt.

Darüber hinaus nimmt Rafael an zwei Programmen der kanadischen Regierungsbehörde "Les Offices jeunesse internationaux du Québec" (LOJIQ) teil, zum einen an deren Karriereentwicklungsprogramm und zum anderen an deren Programm Engagement Citoyen.

Stipendiat des Conseil des Arts et des Lettres du Québec (CALQ) in der Residenz Vila Sul

Lisa C. Soto ist eine in Puerto Rico und Ghana lebende bildende Künstlerin. In ihrer Arbeit verwendet sie Bilder der tatsächlichen und imaginären Kartografie, um lokale und globale Interaktionen, tropische Flora und kosmische Verbindungen zu thematisieren. Ihre großformatigen Installationen mit mehreren Medien - darunter Flora und erdgebundene Materialien, Instrumente/Spiele und industrielle Materialien - stellen Hierarchien und Binaritäten in Frage, reflektieren rhizomatische Muster in der Natur und stellen westliche "rationale" Wissensansätze in Frage.

Ihre Werke wurden u.a. gezeigt bei der Gruppenausstellung Negro/A/X in der Galerie Corredor Afro, 2020, Loiza, Puerto Rico; die Getty Foundation Initiative PST LA/LA, Relational Undercurrents: Contemporary Art of the Caribbean Archipelago, Wanderausstellung von 2017 - 2019; "Convergence", eine Zusammenarbeit mit Adjaye Associates im Jahr 2018 zur Schaffung ihrer ersten permanenten Installation im öffentlichen Raum in Newark, NJ/ USA. Sie hielt Vorträge am MIT, der Ford Foundation, KNUST, der Claremont Graduate University und der Rutgers University. Soto ist derzeit MFA-Kandidatin an der Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST)in Ghana.

Stipendiaten des Programms "Rethinking the South - Repensando Sul" von der KfW Stiftung.

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  lisacsoto.com

Olivia Hyunsin Kim arbeitet international als Choreografin und Kuratorin. 2019 gewann Sie den ersten Platz des Amadeu Antonio Kunstpreises in Deutschland und schloss ihren MA in Choreografie und Performance am Institut für ATW Gießen mit Auszeichnung ab. Davor schloss sie ihr BA Studium Germanistik mit Fokus auf Internationale Politik an der Seoul National University ebenfalls mit Auszeichnung ab und studierte Tanz an der University of Hawai'i at Mānoa/USA und der Falmouth University/Großbritannien. Sie war Stipendiatin bei Impulstanz 2017/ Wien, beim Goethe-Institut Montréal und Circuit-Est centre chorégraphique 2022 und in der Kulturakademie Tarabya in Istanbul/Türkei. In der Spielzeit 2022/23 ist sie als Composer-in-Residence an der Staatsoper Hannover/Deutschland tätig und kuratiert und kreiert dort künstlerische Arbeiten.

Ihre Arbeiten wurden u.a.in den Sophiensælen Berlin, tanzhaus nrw Düsseldorf, Schwankhalle Bremen, Rote Fabrik Zürich, im Art Sonje Center Seoul und im Museo Universitario del Chopo Mexiko City gezeigt. Unter dem Namen ddanddarakim arbeitet sie in wiederkehrenden Konstellationen mit Künstler*innen aus unterschiedlichen Sparten an choreographischen Arbeiten mit einem queer-feministischen und postkolonialen Fokus.

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  ddanddarakim.net

Der Choreograf, Tänzer, Kurator und Aktivist Raphael Moussa Hillebrand wurde 1982 in Hong Kong geboren, ist verwurzelt in Deutschland und Westafrika, aufgewachsen in Berlin und ausgebildet durch Hip Hop. Im Juni 2014 schloss er sein Masterstudium Choreografie an der Universität der Künste - HZT Berlin ab. Ausgehend von diesem Hintergrund, greift er seinen Instinkt für gesellschaftspolitische Themen sowie das Übersetzen kultureller Facetten und Identitäten auf und überträgt diese in seine choreografischen Arbeiten des Hip Hop Tanztheaters. Mit der gleichen Leidenschaft arbeitet er bereits seit 1998 auf unterschiedlichsten Ebenen mit Kindern und Jugendlichen sowie Studierenden und Lehrkräften und ermächtigt diese durch Tanz.

Als Ideengeber und Gründungsmitglied der weltweit ersten Hip-Hop Partei: Die Urbane. Eine Hip-Hop Partei, setzt er sich u.a. für Dekolonialisierung sowie Ermächtigung und kulturelle Vielfalt ein. Sein aktuelles Theaterstück, produziert im Ballhaus Naunynstraße/ Berlin "Auf meinen Schultern" hatte im September 2019 Premiere. 2020 wurde er vom Deutschen Tanzpreis für seine herausragenden künstlerische Entwicklung im Tanz geehrt.

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  raphaelmoussa.com/de/

Émilie B. Guérette ist eine nomadische Filmemacherin, deren Wurzeln in Quebec und deren Herz in Brasiliens liegt. Sie führt Regie bei Dokumentarfilmen, die sich mit sozialer Gerechtigkeit, Menschenrechten und Migrationen befassen. Ihr multidisziplinärer Hintergrund in Anthropologie, Politikwissenschaft, Poesie und Musik spiegelt sich in ihrem sozial engagierten, sensiblen und sinnlichen Ansatz wider, bei dem sie sich auf die Seite der Zurückgebliebenen stellt. Sie sieht im Dokumentarfilm die Kunst der Begegnung, die darauf abzielt, Brücken zwischen Menschen zu bauen.

Stipendiatin des Conseil des Arts et des Lettres du Québec (CALQ) in der Residenz Vila Sul

"ASIAN BERLIN PUSSY POWER" nennt die talentierte MC aus Neukölln ihre Attitüde, die nicht nur für empowernden Rap steht, sondern sie auch zur Stimme vieler betroffener Personen macht. Die selbstbewusste Newcomerin bereichert die Deutschrap-Szene mit ihrer einzigartigen Mischung aus Attitüde und ausgeprägten Skills, einem starken, politischen Bewusstsein und humorvollen sowie gleichzeitig vernichtenden Punchlines.

Stipendiatin des MusicBoardBerlin in der Residenz Vila Sul

João dos Santos Martins (Santarém, Portugal, 1989) ist ein Künstler, der an der Escola Superior de Dança (Lissabon), bei P.A.R.T.S. (Brüssel), bei e.x.er.c.e, (Montpellier) und am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft (Gießen) studiert hat. Seine Arbeit, die in der Regel in kollaborativen Prozessen entwickelt wird, umfasst verschiedene Formen, die den Tanz in den Mittelpunkt stellen, sei es als Choreografie oder Ausstellung. Diese Formen werden von Fragen nach Genealogien der Tanzgeschichte, Übertragungsprozessen, dem Verhältnis von Praxis und Diskurs und Paradoxien der tänzerischen Tätigkeit durchzogen. Zusammen mit Ana Bigotte Vieira hat er eine Struktur zur kollektiven Kartierung des Tanzes in Portugal geschaffen - Para Uma Timeline a Haver. Er tanzte in Stücken von Ana Rita Teodoro, Eszter Salamon, Moriah Evans, Xavier Le Roy, Jérôme Bel, Manuel Pelmuş, Rui Horta und anderen. Im Jahr 2014 gründete er Parasita, eine Künstlerkooperative, der er angehört.

Koffi Mensah, ein autodidaktischer bildender Künstler, wird 1982 in Lome, Togo, geboren. Als Jugendlicher fängt Koffi Mensah sich ein Virus ein und entwickelt eine Leidenschaft für die bildende Kunst in all ihren Dimensionen. So absolvierte er mehrere Schulungen und Workshops im Zeichnen. Auf der Suche danach mehr Wissen zu erwerben, seine Seele zu befriedigen und seinen Traum zu verwirklichen, begann der 17-jährige Junge eine lange Reise voller Abenteuer und verließ sein Land, Togo, um viele Lehrwerkstätten in Accra, Abidjan, Niamey und Cotonou zu besuchen.

Nach diesen Erfahrungen hat sich Koffi Mensah schließlich entschieden, sich in Ouagadougou, Burkina Faso niederzulassen, wo er sich vermehrt präsentiert, indem er seine technischen Fähigkeiten in der bildenden Kunst unter Beweis stellt. Der multidimensionale Künstler hat nie aufgehört, seine Bewunderer mit seiner Kunst zu überraschen.

Durch die Kombination von Ästhetik und Komfort durch Skulptur und Malerei ist der Kreativkünstler fest davon überzeugt, dass alle Kreaturen das Ergebnis eines Symbols beider Seiten derselben Medaille sind.

Neben den Einflüssen seiner Mentoren oder Ältesten wie Ousman Sow aus dem Senegal und El Anatui aus Ghana lässt sich Koffi Mensah von einer neuen relevanten Technik inspirieren, die der Natur entlehnt ist, indem er figurative Kunstwerke und Porträts schafft. Er behauptet gegenüber der Welt, dass er sich von allen dogmatischen Theorien befreit. Er spiegelt immer seine intime Beziehung zu seiner Kunst wider und lebt entsprechend. Heute ist Koffi Mensah ein spirituell orientierter Mensch und glaubt, dass der Instinkt einen großen Einfluss auf seine Kunst hat. Er realisiert mehrere institutionelle Kunstwerke wie das Porträt des ersten Präsidenten von Burkina Faso, Maurice Yameogo (4 Meter Höhe).

Im Jahr 2018 erhielt der Künstler einen Award, den Grand Prix du Dessin d'art in Burkina Faso.

Mario Pfeifer (*1981, Dresden, Deutschland) lebt und arbeitet in Berlin und Dresden. In seinem Werk erforscht er Repräsentationsstrukturen und -konventionen im Medium Video, Film und Neuen Medien an Orten wie Mumbai, Kalifornien, der Atacama-Wüste, dem brasilianischen Viertel in Lagos oder der Westsahara. Er konzipiert jedes Projekt ausgehend von einer spezifischen kulturellen Situation, erforscht sozial-politische Hintergründe und verwebt kulturübergreifende kunsthistorische, filmische, technologische und politische Referenzen zu einer vielschichtigen Arbeit, die von Film- und Videoinstallationen über Textinstallationen bis hin zur Fotografie reicht.

Mario nahm an der 10. Berlin Biennale (2018), der 11. Bienal do Mercosul (2017), der 3° Montevideo Biennale (2016) sowie der 4. Biennale von Marrakesch (2012) teil. Überblicksausstellungen fanden 2016 in der GfZK Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig und 2019 im The Power Plant in Toronto statt. Zahlreiche Einzelausstellungen u.a. am Museum Folkwang, Edith-Russ-Haus für Medienkunst, Berlinische Galerie, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile. Für 2023 ist eine Einzelausstellung in der Kunsthalle Winterthur geplant. Seine Filme wurden auf Filmfestivals in der ganzen Welt gezeigt. Mehrere Monographien sind bei Sternberg Press und Mousse Publishing erschienen. Seine Werke befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen in Europa und Nordamerika, u.a. im Getty Center Los Angeles, MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, Bundeskunstsammlung Bonn, Staatliche Kunstsammlungen Dresden und dem Fotomuseum Winterthur.

Oliver Hardt ist Regisseur, Autor und Filmemacher. In seinen Dokumentarfilmen befasst er sich regelmäßig mit Schwarzer Kultur und Geschichte, unter anderem in "Black Deutschland" (2006), "The United States of Hoodoo" (2011), "David Adjaye - Collaborations" (2015) und "The Black Museum" (2018). 2021 kuratierte er die Filmreihe "Schwarz ist keine Farbe" für die Kunsthalle Schirn in Frankfurt. Zur Zeit arbeitet er am Drehbuch zu seinem ersten Spielfilm.

Alexandra Rodríguez (Culturalex) ist Multimedia-Künstlerin, Kuratorin und Pädagogin und lebt in Montreal. Sie wurde in Venezuela geboren und hat in Brasilien, der Schweiz, Mexiko und Kanada gelebt. Ihr multikulturelles Aufwachsen und ihre Liebe zur Natur, Folklore und Kultur fließen oft in Kreationen ein, die sich durch ihre Lebendigkeit, Vielfalt und multisensorische Dimension auszeichnen.

Im Jahr 2015 schuf Alexandra "Bio Electro Sounds", eine interaktive Musikinstallation, die sie auf der ganzen Welt präsentiert hat. Ebenso gerne kreiert und kuratiert sie Erfahrungen und Veranstaltungen, bei denen verschiedene Kunstdisziplinen aufeinandertreffen, wie die Online-Ausstellung "Curando" (2020) in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut Salvador-Bahia, das "Festival de las Artes" in Zusammenarbeit mit dem Stadtmuseum Tuxtla Gutiérrez (2016) und "Alegría", ein unabhängiges Food & Art Pop-up (Montreal, 2018). Die Künstlerin ist auch als DJ und Pädagogin tätig und bietet Workshops zu kreativen multidisziplinären Praktiken an.

Zu den Orten, an denen sie ihre Arbeit präsentiert hat, gehören die Berlin Food Art Week, das Tuxtla Gutiérrez City Museum und das Modern-Fuel Artist-Run Center in Kingston/ Kanada.

Stipendiatin des Conseil des Arts et des Lettres du Québec (CALQ) in der Residenz Vila Sul

Florencia Romano ist Professorin an der Fundación Universidad del Cine in Buenos Aires und unterrichtet als Assistenzbetreuerin in den Fachbereichen Filmtheorie, Filmsemiotik und Filmästhetik. Als Filmemacherin wurde ihr erster Spielfilm "La noche polar" 2016 beim Entrevues Belfort International Film Festival/Frankreich uraufgeführt. Sie arbeitet auch als Filmkritikerin für verschiedene Publikationen (La Vida Útil, Otra Parte Digital, TranceZonda). Derzeit ist sie Stipendiatin des CONICET (Consejo National de Investigaciones Científicas y Técnicas) und arbeitet an einem Forschungsprojekt über das zeitgenössische argentinische und brasilianische Kino.

Ihr mit Heike Blümner geschriebenes Ratgeberbuch "Eine Frau – ein Buch" wurde ein Bestseller. 2015 erschien der erste Roman "Momente der Klarheit". 2017wurde sie zum Ingeborg-Bachmann-Wettbewerb eingeladen.

2019 gelangte Thomae mit dem Roman "Brüder" auf die Shortlist des Deutschen Buchpreises. Die Geschichte folgt zwei sehr verschiedenen Brüdern eines afrikanischen Vaters von deren Kindheit in der DDR bis nach London, Paris und Südamerika. Die Buchpreis-Jury lobte den Roman als „sehr spannende Geschichte“, verortet in einer amerikanischen Erzähltradition, und für seine „mit Leichtigkeit“ aufgegriffenen existenziellen Fragen und Themen. 2020 erhielt sie für den Roman den Düsseldorfer Literaturpreis; 2021 wurde ihr ein Förderpreis des Lessing-Preises des Freistaates Sachsen zuerkannt.

Jackie Thomae lebte bis 1989 in Leipzig und seitdem in Berlin.

Renata Martins (São Paulo, 1980) ist Sozialpädagogin, Kunstkritikerin, Übersetzerin und freiberufliche Kuratorin mit Sitz in Bonn, wo sie seit 2018 in der Lateinamerika-Abteilung der Deutschen Welle tätig ist. 10 Jahre lang arbeitete sie in verschiedenen Abteilungen des Goethe-Instituts in São Paulo, Buenos Aires und Montevideo (Kulturprogramm, Spracharbeit und Verwaltung). Sie schreibt für verschiedene Medien in Brasilien, Deutschland und Argentinien über bildende Kunst, Kultur, Gesellschaft und insbesondere über südamerikanische Künstlerinnen. 2021 kuratierte und organisierte sie für das Goethe-Institut Salvador den virtuellen Katalog „Arte+ Panorama de Artistas Visuais Transvestigeneres no Brasil“.

Dio Coutt, geboren in Alvorada/RS. Bachelor in BWL, schwul, Schwarz, peripherer Kulturproduzent und Performance-Künstler. Im Jahr 2015 schloss er sich dem Theaterkollektiv „Levanta Favela“ an. Im Jahr 2017 schloss er sich dem Filmkollektiv „Cipó“ an, das Kurzfilme produziert. Im März 2020 kehrt er in seine Heimatstadt zurück, wo er auf kollektive Weise kulturelle Bewegungen wie „Parque da Solidariedade“, „O Beco das Artes“, „Horta Umbuntu“, „Artistas Aqui“ (ausgestellt im Museu Baldio), integriert und ins Leben ruft. Die letzte Performance war "O Sujeito da Incúria" (2021), bei der eine Kiefer aus dem Park in die Ausstellung geschleppt wurde.
 

Franz Thomas ist Psychologiestudent, Förderer von Transformationsprozessen und Fan verschiedener Sportarten, insbesondere des Segelns. Franz hat Erfahrung mit soziokulturellen Programmen und engagiert sich unermüdlich und leidenschaftlich in der Arbeit zur menschlichen Entwicklung. Um die NGO, in der er aufgewachsen ist, zu retten, gründete er die Initiative „Navegando nas Artes“. Durch die Initiative sollen Kinder und Jugendliche anhand nautischer Erfahrungen in die Natur eingebunden werden, um so den Erhalt der Umwelt und die Nutzung öffentlicher Räume durch Freizeitaktivitäten und Graffiti-Kunst zu fördern.

Vitória Leona (geb. 1998) ist eine Fotografin, die in Belém do Pará geboren wurde. Sie arbeitet mit Porträts, in denen sie die Vielfalt der brasilianischen Bevölkerung feiert und den menschlichen Ausdruck mit großer Transparenz festhält. Dabei verwendet sie leuchtende Farben, die an den Amazonas erinnern, und wandert zwischen Analogem und Digitalem, um die Straßen und die Körper, die sie durchqueren, festzuhalten.

Leona hatte 2017 ihre erste internationale Ausstellung in London. Nachdem sie von 2018 bis 2020 im Südosten lebte, begann sie sich auf Modefotografie zu konzentrieren und arbeitete mit Marken wie Nike, Converse und Adidas zusammen. Seitdem wird sie von Vogue Brazil und FFW als eine der führenden Fotografinnen im Amazonasgebiet und vom Malala Fund als Teil der zukünftigen Generation von Fotografinnen angesehen.

Ivana Magalhães ist Autodidaktin und entwickelt Autorengrafiken, die von indigenen und afrikanischen Grafiken inspiriert sind, sowie andere künstlerische Experimente. Sie ist Erzieherin und arbeitet als Lehrerin im kommunalen Netzwerk von Salvador. Sie ist auch Leiterin der Umwelterziehung des Quintal Sensorial und Initiatorin des Kunsterziehungsprojekts Potinhoterapia. Sie gehört zum pädagogischen und künstlerischen Kern des Acervo da Laje und ist Kolumnistin der Fernsehsendung "Periferia de Sucesso" mit dem Thema "Heilkräuter, Wissen der Vorfahren". Ihr Projekt basiert auf ihren Erfahrungen mit der Natur und den Nahrungs-, Heil- und Schutzpflanzen in ihrem Garten, der trotz seiner Lage in einem städtischen Gebiet ökologische Merkmale aufweist, die uns das Gefühl geben, uns in einem "kleinen Wald" zu befinden, umgeben von einheimischen Arten des Atlantischen Waldes und anderen exotischen Arten. Diese Umgebung wird in einen sensorischen Hinterhof umgewandelt, um die Erfahrungen zu erweitern und die Kunst in den Prozess der Selbstheilung und Selbsterkenntnis einzubeziehen.