Talking Culture ist eine Plattform für anregende Diskussionen über die Zukunft Europas, des Vereinigten Königreichs und der Welt. In spannenden Interviews mit Denkern und Akteuren der Kunst- und Kulturbranche wird der Frage nachgegangen, wie sich kreative Bereiche, entstehend aus der turbulenten Gegenwart, in der Zukunft entwickeln.
Gemeinsam fragen wir, wie die Kultur zu einer Zukunft beitragen kann, die Nachhaltigkeit, Zusammenarbeit, Vielfalt und Integration in den Vordergrund stellt. Dies ist ein Podcast des Goethe-Instituts London über die entscheidende Rolle und den Wert, den Kunst und Kultur in unsereren Gesellschaften haben.
Images: Ben Fisher, Lucy Rose Sollitt and Keith Williams
Die neue Forschungsinitiative Synthetic Sacred erforscht Wege zur ökologischen Wiederherstellung inmitten der Hybridität. In dieser Folge betrachten wir Biotechnologien im Kontext indigener Kosmologien.
Könnte eine Betrachtung der Biotechnologien im Kontext des heiligen Netzes des Lebens nützlich sein, um Innovationen in Richtung der Schaffung und Wiederherstellung blühender und generativer Ökologien zu lenken? Im Rahmen des modernen Paradigmas tendieren die Produkte der Biotechnologie zur Extraktion, Entfremdung und Einschließung des Lebens, sowohl des natürlichen als auch des synthetischen. Diese Tendenzen vernachlässigen (absichtlich oder aus anderen Gründen) das Wissen um das verschlungene Netz des Lebens, das in vielen indigenen Kosmologien zu finden ist und nach dem jedes Lebewesen in der Lage ist, seinen (heiligen) Zweck innerhalb der Ökologie zu erfüllen, deren Teil es ist.
Anicka Yi (geb. 1971 in Seoul, Südkorea) ist eine koreanisch-amerikanische Konzeptkünstlerin, die für ihren Fokus auf Geruchssinn und die Verwendung unorthodoxer, lebendiger und vergänglicher Materialien bekannt ist,
Inspiriert von wissenschaftlicher Forschung, Biologie und Parfümeuren, hat Anicka Yi in den letzten zehn Jahren ein einzigartiges Werk an der Schnittstelle von Politik und Makrobiotik geschaffen. Ihre Praxis hinterfragt die zunehmend verschwommenen taxonomischen Unterscheidungen zwischen Mensch, Tier, Pflanze und Maschine und ist das Ergebnis eines alchemistischen Experimentierprozesses, in dem sie oft unvereinbare Materialien erforscht. Sie arbeitet mit Forschern zusammen, um Medien zu schaffen, die oft inhärent politisch sind, und erforscht die kulturelle Konditionierung von Sinn und Wahrnehmung auf eine Weise, die sie als "Biopolitik der Sinne" bezeichnet. Ihre vielfältigen Installationen, die sich auf wissenschaftliche Konzepte und Techniken stützen, um lebendige fiktionale Szenarien zu aktivieren, stellen einschneidende Fragen zur menschlichen Psychologie und zur Funktionsweise der Gesellschaft.
Yis Arbeiten waren Gegenstand zahlreicher Einzelausstellungen in Institutionen auf der ganzen Welt, darunter Pirelli HangarBicocca, Mailand; Tate Modern, London; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Fridericianum, Kassel, Deutschland; Kunsthalle Basel, Schweiz; List Visual Arts Center, MIT, Cambridge, Massachusetts; The Kitchen, New York; und das Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio. 2016 wurde Yi mit dem Hugo-Boss-Preis ausgezeichnet und 2019 wurde ihr Werk auf der 58. Internationalen Biennale von Venedig unter dem Titel May You Live In Interesting Times gezeigt. Anicka Yi wurde mit dem Hyundai-Auftrag für die Tate Turbine Hall 2020 ausgezeichnet.
Keith Williams ist Assistenzprofessor (Erziehungswissenschaften) an der Athabasca University. Seine Arbeit konzentriert sich auf ein besseres Verständnis für gute Beziehungen zu unseren nicht-menschlichen Verwandten, insbesondere in seiner Heimatprovinz Mi'kma'ki (Nova Scotia), wo er lebt.
Keith stützt sich dabei stark auf die Lehren der Haudenosaunee (ein Teil seiner väterlichen Abstammung stammt aus einer Mohawk-Gemeinschaft am Nordufer des Ontariosees), die posthumane Philosophie und seine Erfahrungen mit Familienmitgliedern - menschlichen und anderen.
Lucy Rose Sollitt ist eine erfahrene Forscherin und Kulturschaffende, die sich auf die innovative Verbindung von Kunst, Technologie und ökologischem Wandel spezialisiert hat. In ihrer beruflichen Laufbahn widmet sich Lucy der Entwicklung neuer Konzepte für eine nachhaltige Entwicklung, bei denen Wiederherstellung, Verwandtschaft und Entfaltung im Vordergrund stehen. Ursprünglich als Philosophin ausgebildet, betrachtet Lucy die Kunst als eine Form des gefühlten Wissens und als einen Sammelpunkt für die Erforschung alternativer Ideen, wie die Dinge sein können.
Lucys Arbeit umfasst Schreiben, Kulturprogrammierung, Innovationsstrategie, Finanzierung und Politikgestaltung. Lucy arbeitet mit Organisationen wie der Serpentine Galleries, Rhizome, Rupert und FACT, dem Goethe Institut, DACS, Creative United und dem British Council zusammen. Zuvor war sie Leiterin der Abteilung für kreative Medien beim Arts Council England (Büro in London) und Leiterin der Abteilung für digitale Innovation beim DCMS. Sie hat für Organisationen wie die Tate Modern, den Bürgermeister von London und RSA gearbeitet. Sie nimmt regelmäßig an Podiumsdiskussionen im Vereinigten Königreich und auf internationaler Ebene teil, hält Vorträge bei Christie's und am Royal College of Art und berät Künstler selbständig und für SPACE Studios und Somerset House Studios. Lucy ist Mitglied des Beirats von Furtherfield und hat ihren Sitz im Somerset House, London.
Talking Culture #19: Synthetic Life: A future of Natural History?
Janek Zamoyski, Leo Darwin Vogel & M. Scott Brauer
Die neue Forschungsinitiative Synthetic Sacred erforscht Wege zur ökologischen Wiederherstellung inmitten der Hybridität. Der Begriff des synthetischen Heiligen ist sowohl eine Provokation als auch ein Versuch, nachhaltige Narrative und Praktiken zu entwickeln. Indem sie posthumane und indigene Wissenssysteme miteinander verwebt, erforscht sie das Heilige als Mittel, um zerrüttete Beziehungen zur Natur zu transformieren und sich der kapitalistisch-kolonialistischen Ausbeutung und Entfremdung zu widersetzen. Es schlägt das Heilige als Rahmen vor, um unsere synthetischen Schöpfungen zu leiten und zu entgiften und so das Gedeihen aller Ökologien zu gewährleisten.
In dieser Folge untersuchen wir, was aus der Natur wird, wenn das Leben synthetisch ist, und fragen, welche Rolle die Biotechnologie bei der ökologischen Wiederherstellung spielen kann. Was wird aus der Natur, wenn das Leben synthetisch ist? Wer oder was kontrolliert das Leben, wenn die Natur bionisch ist? Und kann Biotechnologie jemals Teil der ökologischen Wiederherstellung sein?
Agnieszka Kurant (Łódź, Polen, 1978) ist eine Konzeptkünstlerin, die sich mit kollektiven und nichtmenschlichen Intelligenzen und der Ausbeutung im digitalen Überwachungskapitalismus beschäftigt.
Kurant wurde 2020 mit dem LACMA A+T Award, 2019 mit dem Frontier Art Prize und 2021 mit dem Google AMI Award ausgezeichnet. Sie hatte bereits zahlreiche Einzelausstellungen, darunter Crowd Crystal im Castello di Rivoli (2021-22), Uncomputables im Kunstverein Hannover (2023), Exformation im Sculpture Center (2013) und Errorism in der Kunsthal Gent und im Muzeum Sztuki in Lodz (2021). Im Jahr 2015 hat sie einen Auftrag für die Fassade des Guggenheim Museums in New York und 2021-22 einen permanenten Auftrag für das MIT List Visual Arts Center in Cambridge, MA, realisiert. 2010 repräsentierte sie Polen im polnischen Pavillon der 12. Architekturbiennale in Venedig (zusammen mit A. Wasilkowska). Kurants Werke wurden auch im Museum of Modern Art, New York, im Pompidou Center und im Palais de Tokyo, Paris; auf der Istanbul Biennale; SFMOMA, in der Kunsthalle Wien, im Witte de With; in der Whitechapel Art Gallery, the Kitchen, im De Young Museum, Gamec, Bergamo, CAPC Bordeaux, im Moderna Museet; Louisiana Museum, in Dänemark; Villa Medici, in Rom; Milano Triennale; im Bonner Kunstverein; Kunstverein in Hamburg; in Mumok, Wien, Mamco, in Genf; Museum für Moderne Kunst in Warschau; Frieze Projects, Performa Biennial und FRONT Triennial, Cleveland, neben anderen Institutionen ausgestellt. Kurant war Residenzkünstlerin am Berggruen Institute (2019-2021), Gastkünstlerin am MIT CAST (2017-2020) und Stipendiatin am Smithsonian Institute (2018).
Ihr Werk wird auf der kommenden Sydney Biennale (März 2024) zu sehen sein. Zu Kurants kommenden Einzelausstellungen und Projekten gehören eine Einzelausstellung im Mudam Luxemburg (Juni 2024) sowie Auftragsarbeiten für das Centre Pompidou (Juni 2024) und für die Bourse de Commerce - Pinault Collection in Paris (Oktober 2024). Kurants Monografie Collective Intelligence, herausgegeben von Stefanie Hessler und Jenny Jaskey, wird im März 2024 bei Sternberg Press/ MIT Press erscheinen.
Nach seiner Promotion in Genetik an der University of Cambridge arbeitete Johannes Vogel im Natural History Museum in London und trat 2012 seine Stelle in Berlin an. Seitdem arbeitet er als Generaldirektor des Museums für Naturkunde, Leibniz-Institut für Evolutions- und Biodiversitätsforschung Berlin, und seit 2012 als Professor für Biodiversität und Wissenschaftsdialog an der Humboldt-Universität Berlin. Er ist außerdem Präsident der European Citizen Science Association und berät die Europäische Kommission (Vorsitz & Mitglied Open Science Policy Platform) und die Bundesregierung (z.B. Bioökonomierat, Hightech-Forum, Vorsitz des Wissenschaftsjahres 2022 "Ask your Question").
Mit einer naturkundlichen Sammlung von über 30 Millionen Objekten und rund 200 wissenschaftlichen Mitarbeitern ist das Museum eines der größten Forschungsmuseen der Welt. Die Vision des Museums ist es, den wissenschaftlichen und gesellschaftlichen Dialog zu fördern, um den Einsatz für Natur und Demokratie zu unterstützen. Es versteht sich als ein "politisches Museum", das jährlich bis zu einer Million Besucher anzieht, von denen 60 % junge Erwachsene sind.
Michael Levin ist der Vannevar Bush Distinguished Professor für Biologie an der Tufts Universität, eine assoziierte Fakultät am Wyss Institute in Harvard und Direktor des Allen Discovery Center an der Tufts University. Er hat über 400 von Experten begutachtete Publikationen in den Bereichen Entwicklungsbiologie, Informatik und Philosophie des Geistes veröffentlicht. Seine Gruppe beschäftigt sich mit dem Verständnis der Informationsverarbeitung und der Problemlösung auf verschiedenen Ebenen in einer Bandbreite von natürlich entstandenen, synthetisch hergestellten und hybriden lebenden Systemen. Die Arbeit von Dr. Levin umfasst grundlegende konzeptionelle Rahmenwerke bis hin zu Anwendungen bei Geburtsfehlern, Regeneration und Krebs.
Talking Culture #18: The Healing Power of Cultural Practice
Odelia Toder
Das Goethe-Institut stellt Fördermittel zur Verfügung, die professionellen Künstler*innen, aber auch Newcomer*innen und Amateur*innen, sowohl in Gruppen als auch einzeln, die Durchführung von Projekten in Deutschland oder im Ausland ermöglichen. In dieser Folge sprechen wir mit der multidisziplinären Künstlerin Gugulethu Duma alias Dumama über ihre langjährige und kontinentübergreifende Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut, die Filmfestivals, Musikperformances, ein Podcast-Projekt und Workshops umfasst. Wir diskutieren über die komplexe Poetik des Kuratierens in einem von Kolonialismus und Apartheid gezeichneten Raum. Gugulethu wird uns in ihrer multidisziplinären Welt willkommen heißen, um die heilende Kraft ihrer kulturellen Praktiken und die Herausforderungen, denen sie auf ihrem Weg begegnet, zu bezeugen.
Gugulethu Duma (alias Dumama) ist Musikerin, Komponistin, Klangpoetin und kreative Produzentin aus der Östlichen Kap-Provinz von Südafrika. Sie beschäftigt sich mit der Dekonstruktion und Kritik archaischer Darstellungsformen in der südafrikanischen Klang- und Performance-Kultur und komponiert Musik für sich und andere. Als Geschichtenerzählerin und Lyrikerin verwebt sie Lieder aus der Kindheit, Geschichten und persönliche Erinnerungen mit elektronischen Klängen und Gesten. Indem sie mit der Kluft zwischen traditioneller oraler Kultur und futuristischer, global orientierter Poetik experimentiert, verkörpert sie ein afrikanisches Technologiebewusstsein.
Als aufstrebende Kuratorin und Organisatorin von Kulturveranstaltungen bringt Gugulethu bewusst Künstler*innen in Workshops und Performances zusammen, die sich um Embodied Social Justice drehen, während sie die Stimme(n) durch einzigartige Erzählprozesse entfaltet und aktiviert.
Sie war Gastkünstlerin beim Solo Magic Radical Black Femme Project, kuratiert von Base Arts (2021) Seattle, One Beat Music, Goethe Talents, Nirox und Red Bull Music.
Talking Culture #17: (Re-)collecting Europe mit Marta Bausells
Marta Bausells
Das Residenzprogramm (Re-)Collecting Europe des Goethe-Instituts London gab zwei Journalist*innen die Möglichkeit, für vier Wochen durch das Vereinigte Königreich zu reisen. Es war sich an junge, europäische Journalist*innen richtet und möchte kritisches Denken und kreative Auseinandersetzung fördern. Vor dem Hintergrund des EU-Austritts Großbritanniens sollen die sozialen und kulturellen Auswirkungen des Brexits auf die dortige Zivilgesellschaft untersucht werden.
In dieser Folge sprechen wir mit Marta Bausells über ihren journalistischen Residency-Artikel: Cold Tea, was es bedeutet, drei Jahre nach dem Brexit Europäer zu sein, und die jüngsten Bemühungen um kreatives Schreiben.
Marta Bausells ist Schriftstellerin, Herausgeberin, Übersetzerin und Künstlerin. Ihre Arbeit wurde durch Stipendien, Aufenthalte, Zuschüsse und Preise des Headlands Center for the Arts, des Vermont Studio Center, des SPACE on Ryder Farm, der Carraig-na-gCat (Albers Foundation), des Arts Council England, des Tin House Summer Workshop, der London Writers Awards, des Can Serrat, des Ventspils House, der Faber Residency und der Internationalen Journalistenprogramme in Berlin unterstützt.
Ihre Arbeiten wurden u. a. im New York Times Magazine, im Guardian (wo sie vier Jahre lang als Journalistin tätig war), in VICE, ELLE und The Paris Review veröffentlicht.
Derzeit arbeitet sie an ihrem Debütroman und an einem kreativen Sachbuchmanuskript mit dem Titel "Not My Story to Tell" über das Trauma zwischen den Generationen im Zusammenhang mit dem Spanischen Bürgerkrieg.
Talking Culture #16: The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction
Georgia Metaxas and Esther Leslie
In dieser Folge nehmen Esther Leslie und Louis Porter die Gedanken eines der größten Denker des 20. Jahrhunderts, Walter Benjamin, unter die Lupe. Jahrhunderts. 1935 schrieb er einen Aufsatz mit dem Titel "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit", in dem er seine Ideen zu den Medien und zur Kultur im Allgemeinen darlegte und dabei eine Schärfe bewahrte, die fast jedem, der ihn gelesen hat, unter die Haut gegangen ist. In dieser Folge reflektieren wir einige der Kerngedanken des Textes und wenden sie auf moderne kulturelle Phänomene an, von der maschinellen Übersetzung bis hin zu groß angelegten digitalen Kunstausstellungen.
Esther Leslie ist Professorin für politische Ästhetik an der Birkbeck University of London. Ihre Interessen liegen in der Poetik der Wissenschaft und der Politik von Technologien. Ihre aktuelle Arbeit konzentriert sich auf turbide Medien und die Ästhetik der Turbulenz.
Zu ihren Büchern gehören verschiedene Studien über Walter Benjamin und Übersetzungen einiger seiner Werke, sowie Hollywood Flatlands: Animation, Critical Theory and the Avant Garde (2002); Synthetic Worlds: Nature, Art and the Chemical Industry (2005); Derelicts: Thought Worms from the Wreckage (2014) und Liquid Crystals: The Science and Art of a Fluid Form (2016). Jüngste Arbeiten zur biopolitischen Ökonomie der Milchwirtschaft, zusammen mit Melanie Jackson, umfassen die Publikationen Deeper in the Pyramid (mit Melanie Jackson) (2018/2023) und The Inextinguishable für die Limerick Biennale, 2020. Ein Buch über den antifaschistischen Radiopionier Ernst Schoen (geschrieben mit Sam Dolbear) erscheint im Juli bei Goldsmiths Press, und eine Studie über ICI und seine Auswirkungen in Teesside wird demnächst in der Reihe Palgrave Pivots veröffentlicht.
Louis Porter ist ein in London ansässiger Künstler, Fotograf, Forscher und Ausbilder im Bereich fotografischer Prozesse. Seine Arbeit konzentriert sich auf die Verbreitung und Wiederverbreitung von Bildern, Texten und Ideen sowie auf die Reproduktionstechnologien, die dies ermöglichen. Veröffentlichungen und Druckerzeugnisse sind ein wichtiger Teil seiner Praxis, über sein eigenes Imprint Twenty Shelves, unabhängige Verlage und als Mitglied von The Artists' Books Cooperative.
Seine Bücher und Multiples befinden sich in zahlreichen Künstlerbuchsammlungen, darunter die der Tate Modern, des MoMa, des New York Centre for Book Arts, des Victoria and Albert Museum und des Reina Sofia Museum. Er hatte Aufenthalte im Zentrum für Kunst und Urbanistik (Deutschland), in der Awagami paper Factory (Japan), im Australian Archaeological Institute of Athens (Griechenland) und in der Red Gate Gallery (China).
Talking Culture #15: Lives of Objects: Gala Porras-Kim and James Webb
Pieter Hugo and Eber Lee
Derzeit betrachten wir Practising Freedom als Phase 1 eines noch größeren Projekts, das wir unter dem Namen Lives of Objects gestartet haben. In Zusammenarbeit mit Kulturschaffenden, Forschern, Museumsfachleuten und bestehenden Kooperationsinitiativen soll Lives of Objects aus Workshops, Residencies, Podiumsdiskussionen, Vorträgen, Podcasts, künstlerischen Interventionen und Ausstellungen bestehen.
Diese Podcast-Episode ist die erste Episode der Reihe. Wir haben die renommierten Künstler Gala Porras-Kim und James Webb eingeladen, um die Art und Weise zu diskutieren, wie wir über das Leben von Objekten durch eine künstlerische Linse nachdenken. Die beiden haben die Grenzen ihrer eigenen Disziplinen überschritten, um die Art und Weise zu überdenken, wie wir museale Objekte und Artefakte präsentieren, insbesondere solche mit historischer, sozio-politischer und spiritueller Bedeutung.
Die Projekte Lives of Objects und Practicing Freedom wurden in Zusammenarbeit mit dem British Council realisiert.
Gala Porras-Kim lebt und arbeitet seit 1996 in Los Angeles (USA). Sie erwarb einen MFA am California Institute of the Arts (CalArts) und einen MFA in Lateinamerikastudien an der University of California Los Angeles (UCLA). Ihre Arbeiten waren Teil der Biennalen in Gwangju, Korea (2021), São Paulo, Brasilien (2021) und Whitney, New York (2019). Im vergangenen Jahr hatte sie zwei große Einzelausstellungen bei Gasworks in London und Amant in New York.
Im Jahr 2023 wird sie neben dem CAAC auch im Museo Universitario Arte Contemporáneo de México (MUAC) ausstellen. Gala Porras-Kim war Stipendiatin am Radcliffe Institute for Advanced Study der Harvard University (2019) und Artist-in-Residence am Getty Research Institute (2020-2022).
James Webb ist ein Künstler, der für ortsspezifische Interventionen und Installationen bekannt ist. Er arbeitet häufig mit Ton, gefundenen Objekten und Text und bezieht sich dabei auf Literatur, Kino und minimalistische Traditionen. Indem er Objekte, Techniken und Formen aus ihrem ursprünglichen Kontext löst und sie in andere Umgebungen einführt, schafft Webb neue Spannungsräume. Diese verbinden Webbs akademischen Hintergrund in den Bereichen Religion, Theater und Werbung und stellen poetische Untersuchungen über Ökonomien des Glaubens und die Dynamik der Kommunikation in unserer heutigen Welt dar.
Webb hatte Einzelausstellungen unter anderem im Art Institute of Chicago, USA, 2018; SPACES, Cleveland, USA, 2018; Norrtälje Konsthall, Norrtälje, Schweden, 2018; Galerie Imane Farès, Paris, Frankreich, 2016 und 2019; Yorkshire Sculpture Park, Wakefield, Vereinigtes Königreich, 2016; Hordaland Kunstsenter, Bergen, Norwegen, 2015; blank projects, Kapstadt, Südafrika, 2014, 2016 und 2020; CentroCentro, Madrid, Spanien, 2013; Johannesburg Art Gallery, Johannesburg, Südafrika, 2012; und mac, Birmingham, Vereinigtes Königreich, 2010.
Zu seinen wichtigsten Gruppenausstellungen gehören die 9. und 16. Biennale d'Art Contemporain de Lyon (2007, 2022), die 13. Biennale von Dakar (2018), die 4. Prospect Triennial von New Orleans (2017), die documenta 14 (2017), die 13. Biennale von Sharjah (2017), die 12. Bienal de la Habana (2015), die 55. Biennale di Venezia (2013) und die 3. Biennale von Marrakesch (2009). Weitere nennenswerte Gruppenausstellungen fanden unter anderem in MONA FOMA, Australien, Wanås Konst und Historiska, Schweden, MAXXI Roma, Italien, Darat al Funun, Jordanien, Théâtre Graslin, Frankreich, und der Tate Modern, London, statt.
Talking Culture #14: Beyond Hearing
Matthew Herbert
Anlässlich des 60-jährigen Bestehens des Goethe-Instituts London veranstalteten wir im Jahr 2022 drei Goethe Annual Lectures. Für unsere dritte GAL begrüßten wir Dr. Matthew Herbert mit seinem Vortrag "Beyond Hearing". Anhand einer Reihe von außergewöhnlichen Tonaufnahmen brachte er uns dazu, weiter zu hören, als wir es für möglich hielten, und stellte schließlich die Frage: "Wie kann systemisches Zuhören zu sinnvollem Handeln führen?" Der Vortrag wurde von Ella Finer moderiert, die in den Bereichen Klang und Performance schreibt, komponiert und kuratiert, und sich besonders dafür interessiert, wie die Stimmen von Frauen Raum einnehmen, und wie Körper das Besetzen von Raum akustisch stören, herausfordern oder verändern können.
Matthew Herbert ist Musiker, Künstler, Produzent und Autor. Die Bandbreite seiner innovativen Werke reicht von zahlreichen Alben (darunter das gefeierte Bodily Functions) bis hin zu für den Ivor Novello-Preis nominierten Filmmusiken (Life in a Day) sowie Musik für Theater, Broadway, Fernsehen, Spiele und Radio. Er ist solo, als DJ sowie mit verschiedenen Musikern, einschließlich seiner eigenen 18-köpfigen Big Band, auf der ganzen Welt aufgetreten, vom Opernhaus in Sydney bis zum Hollywood Bowl. Darüber hinaus hat er diverse Installationen, Theaterstücke und Opern geschaffen. Er hat ikonische Künstler wie Quincy Jones, Serge Gainsbourg und Ennio Morricone remixt und über mehrere Jahre eng mit unterschiedlichen Musiker*innen wie Björk und Dizzee Rascal zusammengearbeitet.
Er wurde von J Dilla für Slum Village gesampelt und ein anderes seiner Stücke (Café de Flore) inspirierte einen Film von Jean-Marc Vallee (Dallas Buyers Club). Er hat andere Künstler*innen wie Roisin Murphy, The Invisible, Micachu und Merz produziert und einige dieser Werke neben anderen auf seinem eigenen Label Accidental Records veröffentlicht. Er gründete auch NX Records mit der Goldsmiths University, um die Veröffentlichung von Musik von Alumni und anderen zu unterstützen. Bemerkenswerte Mitwirkende waren der Koch Heston Blumenthal, die Dramatiker*innen Caryl Churchill und Duncan Macmillan, der Theaterregisseur Lyndsey Turner, der Musiker Arto Lindsay und der Schriftsteller Will Self.
Aber er ist vor allem dafür bekannt, mit Sound zu arbeiten und gewöhnlichen oder sogenannten „found Sound“ in elektronische Musik umzuwandeln. Sein berühmtestes Werk ONE PIG folgte dem Leben eines Schweins von der Geburt bis zum Teller und darüber hinaus. Aktuell arbeitet er an dem Neustart eines Online-Museums of Sound und ist Creative Director des neuen Radiophonic Workshop für die BBC. Sein Debütstück The Hush wurde am National Theatre aufgeführt, seine Debütoper The Crackle am Royal Opera House, und er arbeitet an weiteren Projekten für die Leinwand und die Bühne. Sein Debüt als Autor mit dem Titel The Music wurde 2018 veröffentlicht.
Talking Culture #13: The Culture of Artificial Intelligence
King's College London
Um das 60-jährige Bestehen des Goethe-Instituts London zu feiern, haben wir 2022 drei Goethe Annual Lectures veranstaltet. Für unsere zweite Goethe Anual Lecture haben wir Professor Mercedes Bunz eingeladen, um über "Die Kultur der künstlichen Intelligenz" zu sprechen. In ihrem Vortrag untersuchte sie anhand von Werken zeitgenössischer Künstler die besondere Macht von KI-Systemen, um Missverständnisse gegenüber KI-Systemen aufzuzeigen. Der Vortrag wurde von Eva Jäger, Kuratorin für Kunsttechnologien am Serpentine, moderiert.
Mercedes Bunz ist Professorin für Digitale Kultur und Gesellschaft am Department of Digital Humanities, King's College London. Sie studierte Philosophie, Kunstgeschichte und Medienwissenschaften an der FU Berlin und der Bauhaus-Universität Weimar und schrieb ihre Dissertation zum Thema "Die Geschichte des Internets - getrieben von einer tiefen Neugier auf digitale Technologie". Bis heute wird sie von dem sich wandelnden Feld der digitalen Technologie nicht enttäuscht, das ihr zuverlässig immer wieder neue Aspekte zum Nachdenken liefert. Im Moment beschäftigt sie sich mit Künstlicher Intelligenz und maschinellem Lernen und ist darüber hinaus Co-Leiterin des Creative AI Lab, einer Zusammenarbeit mit der Serpentine Gallery, London.
Talking Culture #12: Politics - What's Love Got To Do With It?
Regentaucher
Wie die deutsche Autorin Mithu Sanyal bestätigt, ist es ein Vorurteil, dass Liebe und Politik nicht zusammenpassen. In Wirklichkeit sind sie sogar polare Gegensätze. Außerdem ist Liebe in der Politik ein Schimpfwort geworden. Wir können in den sozialen Medien bis zum Abwinken über Sex reden, aber Liebe, das ist zu niedlich, zu verliebt und zu unpolitisch.
Aber das war nicht immer so. Die meisten Bewegungen für soziale Gerechtigkeit hatten eine Liebe zur Ethik. Gandhi stellte die Liebe in den Mittelpunkt seiner Kampagne zur Befreiung Indiens. Martin Luther King predigte und praktizierte Liebe. Und James Baldwin forderte eine Liebe zur Politik. Was hat dazu geführt, dass die Liebe im politischen Diskurs an den Rand gedrängt wurde, und wie kann eine von der Liebe geprägte Politik aussehen?
In Anbetracht der jüngsten Ereignisse scheint eine Diskussion über die Rolle der Liebe in unserer Welt aktueller denn je. Dabei geht es jedoch nicht um die romantische Vorstellung von Liebe, mit der wir gemeinhin vertraut sind, sondern um die Liebe, von der die Kulturwissenschaftlerin und Journalistin Mithu Sanyal behauptet, dass sie in unserer Welt schmerzlich fehlt. Eine politische Liebe. Sie ist der Meinung, dass das Fehlen dieser Liebe für so viel soziale Ungerechtigkeit und Ungleichheit verantwortlich ist.
Mithu Sanyal ist Autorin, Wissenschaftlerin, Literaturkritikerin, Kolumnistin und Broadcasterin. Ihre Werke wurden von internationalen Zeitungen veröffentlicht, darunter The Guardian, DIE ZEIT, Süddeutsche Zeitung, NZZ, Frankfurter Rundschau etc. Zu ihren Büchern gehören die kulturelle Geschichte der Vulva und Vergewaltigung – Aspekte eines Verbrechens. Ihr erster Roman Identitti (2021) war in der engeren Auswahl für den Deutschen Buchpreis und wurde im Englischen von Astra House und V&Q Books veröffentlicht. Sie hat zudem gerade ein Buch über Emily Brontë fertiggestellt, das im Oktober 2022 bei KiWi veröffentlicht wurde.
Talking Culture #11: Wie kann uns die Kunst helfen, das Quantencomputing zu verstehen?
Was genau ist ein Quantencomputer? Haben Sie sich schon einmal gefragt, was es mit dem ganzen Medienrummel auf sich hat oder wie sich Quantencomputer auf unser tägliches Leben auswirken könnten? In dieser Folge sprechen wir mit der Quantenexpertin Emily Haworth, der Kuratorin Lucy Rose Sollitt und Professor Eduardo Miranda über Quantentechnologien und die Kunst. In den kommenden Wochen wird das Goethe-Institut diese und weitere Fragen im Rahmen eines neuen Projekts und einer internationalen Veranstaltungsreihe mit dem Titel "Living in a Quantum State" untersuchen. Weitere Informationen und alle Veranstaltungshinweise finden Sie unter Goethe.de/quantum oder folgen Sie @livinginaquantumstate auf Instagram.
Als studierte Philosophin erarbeitet Lucy in ihrer forschungsgeleiteten Praxis die Konturen neu entstehender Kunst und ihren Überschneidungen mit Technologien, Ökonomien und Ökologien. Lucy arbeitet maßstabsübergreifend und erforscht systemische Phänomene und ko/subjektive, verkörperte Erfahrungen. Ihre Motivation ist der Glaube an Kunst als "felt knowledge", Wunder und das Streben nach gerechteren und sinnvolleren Formen der Koexistenz.
Lucy befasst sich mit Strategie- und Politikentwicklung, schreibt und kuratiert für Organisationen wie FACT, Serpentine Galleries und Rhizome, das Goethe-Institut, DACS, Tate, Arts Council England und die britische Regierung. Lucy unterrichtet regelmäßig und nimmt an Podiumsdiskussionen teil, zum Beispiel beim V&A, QUAD, Christie's und dem RCA.
Lucys Ansatz ist künstlerzentriert. Neben ihren anderen Projekten arbeitet sie gerne als Künstler-Mentorin für SPACE Studios.
Emily Haworth studiert Quantenwissenschaft und -technologie an der Technischen Universität München. Sie kommt ursprünglich aus Lancashire, England, und hat ihren Bachelor in Physik an der University of St. Andrews gemacht. Neben ihrem Studium hat sie das Projekt "PushQuantum: Climate" gegründet, welches Quantentechnologie als kohlenstoffnegative Angelegenheit unterstützt. In diesem Zusammenhang hat die Gruppe eine interaktive Ausstellung im Deutschen Museum in München kuratiert, die sich mit der Rolle der Technologie in Umwelt und Gesellschaft beschäftigt.
Eduardo Reck Mirandas unverwechselbare Musik ist geprägt von seinem besonderen Hintergrund als Wissenschaftler für Künstliche Intelligenz (KI) und klassisch ausgebildeter Komponist. Er ist international für seine Forschung auf dem Gebiet der Neurotechnologie für Musik bekannt. Außerdem setzt er sich für die Forschung ein, die untersucht, wie Quantum Computing musikalische Kreativität fördern kann. Eduardo war Forschungswissenschaftler in der Gruppe für die Evolution der Sprache bei Sony CSL Paris. Derzeit ist er Professor an der University of Plymouth, UK, wo er das Interdisziplinäre Zentrum für Computermusikforschung (ICCMR) leitet. Seine Oper 'Lampedusa', komponiert mit der Sonifikation von subatomaren Teilchenkollisionen und Live-Elektronik, wurde von BBC Singers uraufgeführt.
Stellen wir uns ein Leben ohne Krisen, Katastrophen und Kriege vor. Wie würden Sie gerne leben? Und nun denken wir an das Jahr 2050. Wenn wir auf die Gegenwart zurückblicken, wie hätten wir dann gelebt haben wollen? In dieser Folge sprechen wir mit Kuratorin und Projektentwicklerin Isabel Raabe von Talking Objects Lab und Kurator und Tanzdramaturgen Thomas Schaupp, Teil des Kuratorenteams von Goethe Morph* Iceland: How We Always Wanted to Have Lived.
Isabel Raabe ist Kuratorin und Projektentwicklerin in Berlin. Sie studierte zeitgenössischen Tanz und Kulturmanagement und kuratierte zahlreiche interdisziplinäre und internationale Kunst- und Kulturprojekte. Sie interessiert sich für kuratorische und künstlerische Strategien, die westliche Perspektiven und Denktraditionen dekonstruieren. Vor kurzem initiierte sie das Projekt RomArchive – Digitales Archiv der Sinti und Roma. Isabel Raabe hat zudem das Projekt Talking Objects mitbegründet, welches aus dem Talking Objects Lab, das sie zusammen mit Mahret Ifeoma Kupka leitet, und dem Talking Objects Archive besteht, einem digitalen Archiv für dekoloniale Wissensproduktion, das 2024 eröffnet werden soll.
Isabel Raabe ist zusammen mit Mahret Ifeoma Kupka, Malick Ndiay (Musée Théodore Monod, Senegal), Njoki Ngumi (The Nest Collective, Kenia) und Chao Tayiana Maina (African Digital Heritage, Kenia) Teil des Kuratorenteams des Talking Objects Lab.
Thomas Schaupp ist Tanzdramaturg und Kurator. Zunächst als medizinischer Laborant ausgebildet, schlug er später neue Wege ein und absolvierte ein Bachelor-Studium der Theaterwissenschaft und Kunstgeschichte in Berlin. Noch während des Studiums begann Thomas als Dramaturg in den Tanzszenen von Berlin und Bukarest zu arbeiten und widmete sich bald darauf ganz der freien Arbeit. Seitdem arbeitet er international mit Choreographen und Institutionen der darstellenden Künste in ganz Europa und darüber hinaus.
Autor und Kurator Dan Hicks, vor allem bekannt durch sein Buch The Brutish Museums (2020), zieht eine Bilanz der Debatte über das fortdauernde imperiale Erbe in unseren Museen, Universitäten und der Gesellschaft. In dieser Folge spricht er über die jüngsten Ereignisse in Europa und Nordamerika – von der Entfernung von Statuen, der Umbenennung von Gebäuden und der Rückgabe von Objekten aus Kolonialmuseen. Wie können wir als Gesellschaft die Vergangenheit ändern?
Dan Hicks, FSA ist Professor für zeitgenössische Archäologie an der Universität Oxford, Kurator für Weltarchäologie am Pitt Rivers Museum und Fellow des St. Cross College, Oxford. Sein jüngstes Buch ist The Brutish Museums: the Benin Bronzes, Colonial Violence and Cultural Restitution (Pluto Books, 2020).
Talking Culture #8: Clubbing and culture in times of Covid
Das Goethe-Institut London und Somerset House Studios haben gemeinsam ein neues internationales Residenzprogramm ins Leben gerufen. In Deutschland lebende Künstler*innen, die an der Schnittstelle von Musik, Kunst und Technologie arbeiten, werden mit diesem Programm unterstützt. Für die erste Residenz ab Oktober 2021 begrüßten wir die Künstlerin, DJane, Schriftstellerin und Performerin Juliana Huxtable. Wir sprechen mit ihr über ihre Einflüsse, Visionen, Meinungen, aber auch um über die aktuelle Situation von "Clubbing" in der Pandemie.
Juliana Huxtable ist eine einzigartige DJ und Musikerin, die die Strukturen der Musik als Medium in ihrem multimedialen Universum nutzt. Wo ihre visuelle Kunst und ihre Poesie die Komplexität des Begehrens in einem zunehmend von der Technologie vermittelten Leben steuern, nutzt ihre Musik die Klänge der Technologie selbst, um parallele Realitäten zu schaffen, die durch Rhythmus und harmonische Szenerien verkörpert werden.
In ihren Sets setzt sie geschickt die Idee des Samplings und Re-Bloggens als DJ-Strategie ein und mischt auf ekstatische Weise eine Reihe von Einflüssen an der Grenze zwischen Genre-Intuition und Experiment. Sie strebt nach dem Erhabenen in einer oft nur als Hexerei hinter den Decks zu bezeichnenden Séance von der Bühne aus; eine Behauptung der Freiheit und eine Ode an die evolutionäre Struktur der Subkulturen der elektronischen Musik zugleich.
Talking Culture #7: "A greener infrastructure for a sustainable metropolis"
Die Künstlerin Natalie Taylor, das Architektur und Design-Kollektiv Urban Radicals und Landschaftsarchitekt Adam Harris sprechen über ihre SouthKenGreenTrail Installationen: "Foodbank for Pollinators" in Prince's Gardens und "Windflower" auf der Exhibition Road sind für eine grünerere Infrastruktur und mehr Nachhaltigkeit in London gedacht. Diese Folge bietet einen exklusiven Einblick in die kreative und nachhaltige Ideenfindung, den produktiven Denkprozess dahinter und die Konzeptionierung und Realisierung der beiden Installationen.
Talking Culture #6: "Notes from a Grown Up Country"
Im Sommer 2020 veröffentlichte der britische Autor und Moderator John Kampfner sein neues Buch mit dem provokativen Titel Why the Germans Do It Better: Notes from a Grown-Up Country. In dieser Podcast-Episode teilen wir seine 2019er Brady Lecture unter dem gleichen Titel: Why the Germans Do It Better. Und ja, der Titel klingt nicht nur für uns etwas ungemütlich. Keine Sorge, es geht hier nicht um die Überlegenheit einer Nation über die andere, sondern viel mehr darum, was andere westliche Demokratien vom viel behandelten verinigten Deutschland nach der Wende lernen können, welches sie selbst mitgestaltet haben.
John Kampfner ist preisgekrönter Autor, Rundfunkmacher, Kommentator und eine treibende Kraft in der britischen Kreativbranche. Er war leitender politischer Korrespondent bei der Financial Times, politischer Kommentator für das Programm Today beim BBC und Herausgeber des New Statesman. Regelmäßig liefert er Beiträge für britische und internationale Medien. 2014 gründete Kampfner die Creative Industries Federation, wo er fünf Jahre lang als CEO tätig war. Daneben war er Gründungsvorsitzender der Turner Contemporary, einer der erfolgreichsten Kunstgalerien Großbritanniens.
Zu seinen Büchern zählen der Bestseller Blair’s Wars (2003) und Freedom For Sale (2009), das in die engere Auswahl für den Orwell-Preis kam. Kampfner ist Senior Associate Fellow am Royal United Services Institute (RUSI) und Berater der Frankfurter Buchmesse. Zusammen mit der Komikerin Shazia Mirza präsentiert er die Podcast-Reihe Pale, Male and Stale, die sich mit Politik und Identität befasst.
Sein neuestes Buchprojekt trägt den provokanten Titel Why the Germans Do It Better. Lessons from a Grown Up Country (Erscheinungsdatum Juli 2020). Als 1989 die Berliner Mauer fiel, arbeitete John Kampfner als Ostberlin-Korrespondent für den Telegraph. Dreißig Jahre später findet er ein anderes Land vor, das vor vielen Problemen steht: die sozialen Auswirkungen durch den Zustrom an Geflüchteten, der Aufstieg der AfD, eine sich verlangsamende Wirtschaft, einer alternde Bevölkerung, eine überholte Infrastruktur und eine anhaltende Zurückhaltung in der Auslandspolitik. Doch im Vergleich zu Trumps Amerika und Großbritannien, das vom Brexit-Chaos gebeutelten ist, besitzt Deutschland die politische Reife, die es dem Land ermöglicht, sich den Herausforderungen der heutigen Welt besser als andere zu stellen, so Kampfner.
Talking Culture #5: „What Does it Mean to Be European?“
Mit dem Brexit im Rückspiegel hat die Debatte um den Sinn und Zweck der Europäischen Union eine neue Brisanz angenommen. In dieser Podcast-Folge haben wir zwei junge Intellektuelle, ein Engländerin und einen Deutschen, gegenübergestellt, um darüber nachzudenken, was dieser neue Sachverhalt für sie bedeutet. Alice Boyd ist Kompositeurin, Theatermacherin und Umweltaktivistin aus dem Vereinigten Königreich. Simon Strauß ist ein deutscher Historiker, Autor und Journalist. Beide wurden in der Europäischen Union geboren und nutzen ihre Arbeit dazu, kritisch zu hinterfragen, was dies bedeutet und was es bedeuten kann.
Alice Boyd ist eine Kompositeurin, Sounddesignerin, Theatermacherin und Umweltaktivistin, die zwischen London und Bristol lebt. In ihrer Arbeit nutzt sie Stimmen, Alltagsgeräusche und elektronische Texturen, um uns Geschichten aus unserer Umgebung und Umwelt zu erzählen. Sie wurde als eine der Sound and Music's New Voices Kompositeurinnen für 2020 ausgezeichnet, unterstützt von Arts Council England, dem Garfield Weston Foundation und der PRS Foundation.
Simon Strauß ist ein deutscher Schriftsteller, Theaterkritiker und Historiker. Er studierte Altertumswissenschaften und Geschichte an der Universität Basel, der Universität Poitiers und der University of Cambridge.
2017 veröffentlichte er sein literarisches Debüt Sieben Nächte und im Sommer 2019 folgte sein zweites Buch Römische Tage. 2020 gab er das Buch Spielplan-Änderung! heraus.
Er ist Gründungs- und Vorstandsmitglied des Vereins Arbeit an Europa e.V. und gehört der Bayerischen Akademie der Schönen Künste als ordentliches Mitglied der Abteilung Darstellende Kunst an.
Talking Culture #4: „Leading the Art World Towards Sustainability“
Foto: Christa Holka
Kunst hat die Macht, die Welt zu verändern, indem sie ihren Fokus auf kritische und kontroverse Thematiken legt. Welche Verantwortung trägt die Kunstwelt jedoch selbst, interne Veränderungen vorzunehmen, wenn es um ihre eigenen nicht nachhaltigen und diskriminierenden Arbeitsweisen und Ausstellungen geht?
In der vierten Folge setzt sich Iwona Blazwick, Direktorin der renommierten Whitechapel Gallery im Osten Londons, mit diesen Fragen zur Zukunft von Museen und Galerien auseinander.
Iwona Blazwick ist Kuratorin, Kritikerin und Lektorin und ist seit 2001 Direktorin der Whitechapel Gallery in London. Davor war sie bei der Tate Modern und dem Institute of Contemporary Arts (ICA) in London und als unabhängige Kuratorin in Europa und Japan tätig.
Zu ihren jüngsten kuratorischen Projekten zählen William Kentridge: Thick Time (2016), Thomas Ruff Photographs 1979-2017 (2017), Mark Dion: Theatre of the Natural World (2018) und Michael Rakowitz (2019) an der Whitechapel Gallery sowie Carlos Bunga: The Architecture of Life am MAAT, Lissabon (2019), The Palace at 4am, eine Gruppenausstellung am Archäologischen Museum auf Mykonos (2019) und Sight, eine Einzelausstellung mit Antony Gormley und der Neon Foundation auf Delos (2019).
Iwona Blazwick hat zahlreiche Monografien und Artikel über zeitgenössische Künstler*innen geschrieben und zu Themen und Bewegungen in der modernen und zeitgenössischen Kunst, Ausstellungshistorien und Kunstinstitutionen veröffentlicht. Sie ist Series Editor der Whitechapel Gallery/MIT Documents of Contemporary Art.
Talking Culture #3: „'Some Kind of Tomorrow': Honoring the Visions of Black Feminist Creative Authors”
Das kreative Schreiben schwarzer feministischer Autor*innen hat revolutionäres Potential. Ihr literarisches Schreiben fordert dominante Annahmen heraus und erweitert den Horizont des aktuellen Literaturpublikums. In dieser Folge ehrt die Aktivistin und Autorin Sharon Dodua Otoo ihre literarischen Vorfahr*innen und Mentor*innen, verurteilt die rassistischen Strukturen, die ihnen zu Lebzeiten die verdiente Anerkennung vorenthalten haben und erkundet, wie schwarzes feministisches kreatives Schreiben unsere Gesellschaft voranbringen kann.
Sharon Dodua Otoo (*1972 in London) ist Autorin und politische Aktivistin. Sie schreibt Prosa und Essays und ist Herausgeberin der englischsprachigen Buchreihe „Witnessed“ (edition assemblage). Ihre ersten Novellen „die dinge, die ich denke, während ich höflich lächle“ und „Synchronicity“ erschienen zuletzt 2017 beim S. Fischer Verlag. Mit dem Text „Herr Gröttrup setzt sich hin“ gewann Otoo 2016 den Ingeborg-Bachmann-Preis. 2020 hielt sie die Klagenfurter Rede zur Literatur „Dürfen Schwarze Blumen Malen?“, die im Verlag Heyn erschien. Ihr erster Roman auf Deutsch „Adas Raum“ erschien im Februar 2021 beim S. Fischer Verlag. Politisch aktiv ist Otoo bei der Initiative Schwarze Menschen in Deutschland e. V. und Phoenix e. V. Sie lebt mit ihrer Familie in Berlin.
Talking Culture #2: „Why Artists are Working with Blockchain to Reinvent the Arts"
Wie könnten die Kunst und Zivilgesellschaft jetzt, da die Welt einer neuen Wirtschaftskrise gegenüber steht, von Blockchain-Technologien profitieren? Erfahren Sie von Künstler*innen, Kutaror*innen, Technolog*innen und Forscher*innen, die mit Blockchain ihre Arbeit revolutionieren. In dieser Folge werden Ruth Catlow (Furtherfield), Ben Vickers (Serpentine Galleries) und Künstler*innenkollektiven von Berlin bis Moskau, die Teil der DAOWO Gobal Initiativesind, über diese Thematik sprechen.
Ben Vickers ist Kurator, Autor, Verleger und Technologe. Er ist CTO der Serpentine Galleries in London, Mitbegründer von Ignota Books und Initiator der Open-Source Ordensgemeinschaft unMonastery.
Ruth Catlo ist Künstlerin, Kuratorin und Forscherin im Bereich emanzipatorische Netzwerkkulturen, -praktiken und -poetik. Zudem ist sie künstlerische Direktorin von Furtherfield, einem gemeinnützigen, internationalen Community-Zentrum für Kunst, Technologie und sozialen Wandel, das sie 1996 zusammen mit Marc Garrett in London gründete. Mitherausgeberin von Artists Re:Thinking the Blockchain (2017); Kuratorin der Wanderausstellung New World Order (2017-18); Gemeinsam mit Ben Vickers leitet sie die preisgekrönte DAOWO Arts and Blockchain Lab-Reihe in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut und ist Leiterin des Blockchain-Forschungslabors der Serpentine Galleries. Sie ist Direktorin von DECAL Decentralised Arts Lab, einer Initiative von Furtherfield, die sich der Mobilisierung von Forschung und Entwicklung durch führende Künstler verschrieben hat und Blockchain- und Web 3.0-Technologie für gerechtere, dynamischere und mehr vernetzte kulturelle Umweltforschung und Wirtschaftssysteme einsetzt.
Dzina Zhuk ist Künstlerin und Technikwissenschaftlerin und lebt in Moskau und Minsk. Sie ist Mitglied der Gruppe eeefff und Flying Cooperation. Weiter ist sie Mitorganisatorin der jährlichen Veranstaltung WORK HARD! PLAY HARD! in Minsk. Ihr Alter-Ego Bitchcoin arbeitet mit Stimme, Audio, zukünftigen Beats und Sci-Fi-Synth. Zu ihren Hauptinteressen gehören unter anderem gefährdete Schnittstellen, die emotionalen Wirkungen von Algorithmen, die nicht-anthropozentrische Betrachtungsweise maschineller Intelligenz und imaginäre Szenarien der Gegenwart.
Nicolay Spesivtsev ist als Künstler und Forscher in Moskau und Minsk tätig. Mit einem technischen Hintergrund als Informatiker verbindet Spesivtsev einen kritischen Ansatz der Informatik, der mit rechnergestützten Wirtschaftssystemen und einem eigenartigen Futurismus verwoben ist. Er arbeitet mit Fantasien, die aus sich überschneidenden technologischen, wirtschaftlichen und politischen Landschaften in der heutigen Kultur geboren wurden. Zu seinen Interessen zählen aus gefühlsbetonter Arbeit erwachsende Solidarität, kritische Ansätze zur Emanzipation der Freude aus Assemblagen der Körper lebender Subjekte (sowohl menschliche als auch nicht-menschliche), Computersysteme, digitale Entkolonialisierung in Osteuropa und vieles mehr. Er ist Mitglied der Gruppe eeefff und Flying Cooperation. Weiter ist er Mitorganisator der jährlichen Veranstaltung WORK HARD! PLAY HARD! in Minsk.
Calum Bowden schafft Geschichten, Welten und Plattformen, die die Beziehungen zwischen Organismen und Algorithmen, zwischen Menschen und Nichtmenschen, zwischen der Erde und dem Kosmos völlig neu interpretieren. Er war Mitbegründer von Trust und Black Swan. Calum besuchte das Graduiertenkolleg am Strelka-Institut in Moskau. Er verfügt über einen Master in Design Interactions vom Royal College of Art und einen Bachelorabschluss in Anthropologie vom University College London.
Laura Lotti untersucht die Beziehungen zwischen technologischen, wirtschaftlichen und kulturellen Systemen. Laura ist Forschungspartnerin bei Other Internet und erforscht dort gemeinsam mit anderen die kopflose Dynamik in vernetzten Kulturen. Sie ist Mitbegründerin von Black Swan und Mitglied von Trust.
Einen Monat nach dem ersten Lockdown des Jahres 2020 haben wir Kris Nelson, den künstlerischen Leiter und CEO von LIFT (the London International Festival of Theatre) angerufen, um herauszufinden, wie die Theater und ihre Mitarbeitenden in solch einer Krise überleben. In dieser Podcastfolge kehren wir zu diesem Gespräch zurück, weil es einen besonderen Moment im Umbruch der Pandemie eingefangen hat und wir rufen Kris noch einmal – ein Jahr später – an, um herauszufinden, was sich verändert hat und wie sich seine Vorhersagen für das Theater geändert haben.
Kris Nelson is künstlerischer Leiter und CEO von LIFT, dem London International Festival of Theatre. Von 2013 bis 2017 war er Festivalleiter des Dublin Fringe Festivals.
In seiner Heimat Kanada gründete Kris Nelson Antonym, eine Agentur für darstellende Künste, und vertrat Theatre Replacement, Public Recordings und 2boys.tv. Er war Produzent und Encounters Curator für das Magnetic North Festival und initiierte und ko-kuratierte verschiedene Platformen, die sich für Künstertourneen einsetzt wie zum Beispiel PushOFF.
