De septembre 2023 à début février 2024, le Goethe-Institut Montreal, en collaboration avec le Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.), présente un programme de 20 œuvres vidéo issues de la vaste collection d'art vidéo de n.b.k Video-Forum, sous la direction d'Anna Lena Seiser (responsable de la collection n.b.k. Video-Forum)
L'exposition présentait des vidéos d'artistes allemand.e.s renommé.e.s, tels que Hito Steyerl, Alicia Kwade et Antje Ehmann, toutes ayant déjà exposé au Québec, mais aussi des vidéos d'artistes internationaux, tels que Pilvi Takala, Richard Serra et Young-Hae Chang Heavy Industries.
D'une part, les œuvres sélectionnées reflètent - parfois de manière critique, mais aussi avec humour - la position géographique des écrans de projection du Goethe-Institut Montreal, en plein centre-ville, à un carrefour très fréquenté de la rue Ontario et du boulevard Saint-Laurent, c'est-à-dire un lieu de passage urbain, mais d'autre part, elles représentent également la diversité de la collection du n.b.k. Video-Forum.
Les films étaient projetés pendant une semaine chacun, du coucher du soleil à 2 heures du matin, sur trois fenêtres du Goethe-Institut Montreal au 1626 boul. St-Laurent. Ils pouvaient également être visionnés sur un écran intérieur pendant les heures d'ouverture de l'Institut.
Dans S.C.H.A.F.E., Wolf Kahlen travaille avec un troupeau de 106 moutos qui, tout au long de la vidéo, s'auto-décrivent de manière monumentale en formant successivement les lettres S, C, H, A, F et E (le mot allemand pour "mouton"). Dans chaque scène, les moutons sortent précipitamment et se rapprochent de plus en plus les uns des autres, jusqu'à ce qu'ils se regroupent pour former la lettre correspondante. Lentement, la lettre se dissout à nouveau lorsque la nourriture est mangée et que certains moutons, et finalement tout le groupe, passent à la lettre suivante dans la scène suivante. Au cours de ce processus, deux chiens de berger veillent à ce que tous les moutons se rejoignent. La vidéo explore le processus de formation et de déformation de l'image et du langage, remettant en question les formes de communication en tant que programmation collective contrôlée de l'extérieur.
Le pionnier de l'art vidéo Wolf Kahlen (*1940 à Aix-la-Chapelle / Allemagne, vit à Berlin et Bernau près de Berlin) est membre fondateur de l'actuel Video-Forum, qui a ouvert ses portes en 1971 sous le nom de Videothek avec son œuvre Reversible Prozesse (1971). L'artiste vidéo, média et objet se qualifie lui-même de "sculpteur média" en raison de l'intermédialité de ses sculptures vidéo. Dès les années 1960, Kahlen s'est penché de manière critique sur le nouveau média de masse qu'était la télévision. Dans ses sculptures vidéo, il a par exemple reflété le tube cathodique afin de faire de l'espace du spectateur le contenu de la télévision. Il a également été l'un des fondateurs des actions de l'avant-garde (1973-1974) à Berlin et a fondé en 1985 le lieu d'exposition berlinois Ruine der Künste pour l'art vidéo et sonore. Kahlen est professeur émérite d'art intermédiaire à l'Institut d'architecture de l'Université technique de Berlin.
Dans leurs œuvres collaboratives, Anetta Mona Chişa et Lucia Tkáčová abordent les relations des genres et leur propre rôle en tant que femmes artistes d'Europe de l'Est dans un monde de l'art dominé par l'Occident. Dans How to Make a Revolution, la caméra est braquée sur un écran d'ordinateur rougeoyant dans la faible lumière du soir. Une personne anonyme tape sur le clavier le scénario d'un futur parcours de vie, sous la forme d'une liste de mesures diverses qui doivent aider à réaliser une percée dans le monde de l'art. Le plan d'ensemble ne conduit pas seulement à l'absurde les espoirs intimes d'une carrière d'artiste réussie, mais pose en même temps la question de la possibilité de changer un système existant.
Anetta Mona Chişa (*1975 à Nădlac / Roumanie, vit à Berlin et Prague) et Lucia Tkáčová (*1977 à Banská Štiavnica / Slovaquie, vit à Berlin et Prague) collaborent depuis 2000 et poursuivent en outre chacune une œuvre indépendante. Ils s'intéressent aux processus de transformation dans les discours artistiques, politiques et de genre de l'Europe postcommuniste. Leurs performances vidéo, installations et travaux textuels interrogent avec humour les rapports entre les actrices du monde de l'art international, en particulier les attentes de l'Occident orienté vers le profit envers les artistes* d'Europe de l'Est. Le processus de transformation postcommuniste, avec ses multiples ruptures et discontinuités, constitue le cadre thématique de nombre de ses travaux.
Strike, le film le plus court de Steyrel à ce jour, montre un acte très direct de critique des médias : l'artiste s'approche d'un écran plat LCD noir avec un marteau et un burin, le met en place et le fait voler en éclats d'un coup ciblé. Les fissures à la surface et les effets de miroir qui en résultent créent une nouvelle image abstraite et esthétique qui, à son tour, fait penser aux premières expériences de l'art vidéo. Avec son geste percutant, Hito Steyerl nous rappelle la réalité physique des images médiatiques.
Hito Steyerl (née en 1966 à Munich, vit à Berlin) est l'une des artistes les plus influentes de notre époque et façonne de manière décisive le discours sur ce que l'on appelle le "Documentary Turn" depuis les années 1990. Tant ses textes théoriques que ses travaux artistiques dans les médias vidéo, film et performance traitent de la critique postcoloniale et féministe de la représentation, tout en brisant et en pénétrant le documentaire par des stratégies de fictionnalisation. Dans ses films-essais et ses installations vidéo qui occupent tout l'espace, Steyerl examine la politique des images et remet en question les mécanismes de pouvoir qui y sont inscrits, tout en jetant un regard critique sur les conflits politiques, les changements sociaux dans notre société technologisée et les modes de fonctionnement de notre monde capitaliste.
SORRY (2010) montre, avec un seul plan de caméra constant, une scène oppressante dans un wagon de train à grande vitesse reconstitué. Il s'agit d'une situation immédiatement familière : un train bondé, toutes les places assises sont occupées et les modestes compartiments à bagages désespérément encombrés. De plus en plus de personnes se pressent à travers l'étroit couloir à la recherche d'une niche avec des gobelets de café XXL et des bagages parfois bizarres, car il ne semble pas y avoir plus de place à l'arrière du wagon. Les voyageurs dans le travail de Panhans semblent en outre familiers, car ils représentent des doubles* de diverses célébrités. Ainsi apparaissent la chanteuse Amy Winehouse, le créateur de mode Karl Lagerfeld, l'artiste Jonathan Meese, le chanteur Bill Kaulitz (Tokio Hotel) et - même à plusieurs reprises - l'acteur Johnny Depp. La présence de Lara Croft et d'agents du SEK en grande tenue confère également à la scène une surréalité à la fois absurde et oppressante. Le seul mot prononcé dans la vidéo est un bref "Sorry" de Johnny Depp, qui bouscule accidentellement Bill Kaulitz et s'excuse.
Stefan Panhans (né en 1967 à Hattingen / Allemagne, vit à Berlin et Hambourg) se concentre principalement, dans ses photographies, vidéos, collages de textes et dessins, sur des phénomènes de la vie quotidienne dans la société médiatique et sur des manifestations urbaines. Ses travaux se basent sur des recherches et des observations minutieuses et abordent les effets des médias sur le corps et l'esprit, ainsi que la pression exercée pour la présentation et l'optimisation de soi dans les médias.
Alicja Kwade 2014 08:16 Min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
L'installation vidéoIn Ewig den Zufall betrachtend (engl. En contemplant éternellement le hasard) montre des dés qui roulent sans cesse de gauche à droite, sans jamais s'arrêter. En utilisant le dé comme symbole de la chance et en le lançant comme méthode de prise de décision ou de recherche du résultat d'un processus, Kwade a trouvé une métaphore formellement simple, mais forte, de la quête humaine de certitude.
Dans ses sculptures, ses installations spatiales et lumineuses et ses œuvres vidéo, Alicja Kwade (*1979 à Katowice / Pologne, vit à Berlin) explore à plusieurs reprises la relation entre la fiction et la réalité. Ses œuvres sont des tentatives formelles d'expliquer des phénomènes scientifiques ou philosophiques et de mettre en lumière notre perception de la réalité ainsi que les conventions sociales. Dans ce processus, Kwade travaille sur les propriétés matérielles, les modes de représentation et les attentes qui y sont associées, ainsi que sur les notions de temps et d'espace.
Harun Farocki 2010 19:28 Min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Dans Umgießen, Farocki tente de reproduire la célèbre performance Fluxus Zyklus für Wassereimer (oder Flaschen) (en français Cycle pour seaux d'eau [ou bouteilles]) de Tomas Schmit de 1962 dans des conditions actuellesde Tomas Schmit de 1962 dans des conditions actuelles, dans ce cas par un robot. Dans la performance de Schmit, un performeur entouré de seaux ou de bouteilles d'eau verse de l'eau d'un récipient à l'autre dans le sens des aiguilles d'une montre jusqu'à ce que toute l'eau se soit évaporée ou renversée. Ce qui, dans la performance originale, prend des heures, ne prend que quelques minutes au robot de Farocki, qui réussit ainsi à inverser avec humour l'efficacité supérieure des machines par rapport aux hommes.
Harun Farocki (*1944 à Nový Jičín / République tchèque, †2014 près de Berlin) est l'un des cinéastes allemands les plus influents dans le genre du film d'essai. Son œuvre comprend plus de 100 films expérimentaux et documentaires, films d'essai, courts et longs métrages. À partir du milieu des années 1990, Farocki a élargi sa pratique cinématographique pour y inclure des installations vidéo dans des lieux d'art visuel. Son approche est centrée sur l'étude de la signification des images, de leur création et, surtout, des structures de pouvoir qui y sont inscrites. Son travail porte sur l'optique et la visualisation de la violence, ainsi que sur les dimensions politiques de l'image cinématographique et le pouvoir des images techniques. Outre ses activités artistiques, Farocki a également travaillé comme rédacteur et éditeur pour le magazine Filmkritik (Film Review) et a enseigné à l'université de Californie, à la Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin, à l'Universität der Künste Berlin et à l'Akademie der bildende Künste Vienne.
Tomas Schmit 2004 24:59 Min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
L'interaction entre les mots et les images revêt une importance particulière dans le travail de Tomas Schmit. Son œuvre tardive e-constellations (2004) consiste en 200 dessins simples de points fixes jaunes et de lignes de connexion blanches sur un fond noir. Comme un mobile, les points et les lignes donnent constamment naissance à de nouvelles permutations. Présentés l'un après l'autre sous forme de diaporama numérique, ils fonctionnent comme une "école de la vue" et sont titrés par l'artiste avec des termes anglais, dans un processus qui rappelle les jeux de puzzle et l'interprétation des constellations. Schmit a enregistré la piste audio de e-constellations en une seule prise dans son appartement de la Linienstrasse 158 à Berlin. Des bruits de rue intermittents ou des bribes de conversation sont audibles en arrière-plan. e-constellations a donné à Schmit l'impulsion pour une série d'autres travaux dans lesquels il a utilisé des enregistrements audio et l'ordinateur comme moyen d'imagerie.
Pionnier du mouvement Fluxus des années 1960, Tomas Schmit (*1943 à Wipperfürth / Allemagne, †2006 à Berlin) a joué un rôle important dans la remise en question radicale de l'art bourgeois et l'émergence d'une nouvelle esthétique. Dans sa pratique artistique, principalement axée sur le dessin à partir de 1970, il a exploré avec humour le langage, la logique, le paradoxe, la biologie, la recherche comportementale et la perception, en prenant comme point de départ des observations concrètes de la vie quotidienne.
Pilvi Takala 2015 31:55 Min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Workers' Forum est un message animé basé sur les expériences de Pilvi Takala (*1981 à Helsinki, vit et travaille à Berlin et Helsinki) en tant que microtasker aux États-Unis. Les microtaskers sont des travailleurs à temps partiel peu coûteux, payés par des entreprises en ligne pour effectuer de petites parties de tâches importantes sans formation spéciale ni connaissances préalables. En fonction de la tâche, un groupe ou une masse d'individus est recruté pour effectuer le travail. Takala a travaillé pour un service où les utilisateurs paient pour qu'une prétendue petite amie ou un prétendu petit ami leur envoie des messages. La tâche à accomplir était la suivante : "Écrire un message positif, engageant et convaincant dans la voix de quelqu'un qui envoie un SMS à sa moitié. La vidéo est basée sur des conversations dans un forum de discussion entre les microtaskers qui tentent de comprendre comment être un partenaire invisible. Les travailleurs expriment une préoccupation sincère pour les utilisateurs, même s'ils sont sous-payés et travaillent dans un système conçu pour minimiser et entraver la connexion humaine et les soins.
Pilvi Takala (*1981 à Helsinki, vit et travaille à Berlin et Helsinki) utilise des interventions performatives comme moyen de traiter les structures sociales, en remettant en question les règles normatives et les vérités de notre comportement dans différents contextes culturels. Repoussant les limites de différents genres - dont le film documentaire et la performance -, les œuvres de Takala mettent en lumière les règles implicites des situations sociales qui ne deviennent souvent visibles que si elles sont perturbées.
Labour in a Single Shot: Marseille. Portrait of a city composed by Labour-in-a-Single-Shot films
Antje Ehmann, Eva Stotz 2018 36:13 min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Basé sur des ateliers organisés dans le monde entier, Labour in a Single Shot produit des vidéos d'une à deux minutes, filmées en un seul plan. La caméra peut être statique, faire un panoramique ou un travelling - seules les coupures ne sont pas prévues. L'objet d'étude est le thème du "travail" sous ses multiples formes : rémunéré ou non, matériel ou immatériel, riche en traditions ou les formes de travail entièrement nouvelles dans le domaine numérique. Le thème du travail cinématographique en soi, du travail de différentes productions d'images et l'aspect du travail collectif sont également repris à plusieurs reprises dans Labour in a Single Shot. Labour in a Single Shot : Marseille. Portrait of a City a été réalisé en 2018 dans le cadre d'un atelier à Marseille et se compose de 20 portraits individuels des professions suivantes : projectionniste, affûteur de couteaux, vendeur d'oranges, bodybuilder, podologue*, technicien, poissonnier, coiffeur, aide aux illettrés*, vendeur d'animaux, monteur vidéo, pompiers, écrivain, conducteur d'engins de chantier, vendeur de viande, couturier, trieur de vêtements, ouvrier du bâtiment, musicien, balayeur de rue.
Antje Ehmann (*1968 à Gelsenkirchen, vit à Berlin) est commissaire d'exposition, écrivaine et artiste. Elle a abordé l'histoire du cinéma et du développement urbain dans de nombreuses expositions, projets artistiques et publications. Jusqu'à sa mort en 2014, Ehmann a également travaillé avec le cinéaste et auteur Harun Farocki, avec qui elle a initié le projet sériel Labour in a Single Shot en 2011. Stotz et Ehmann poursuivent Labour in a Single Shot depuis 2017.
Eva Stotz (*1979 à Isny, vit à Berlin) est une documentariste et réalisatrice dont les œuvres examinent notamment les effets de la mondialisation.
Corinna Schnitt 2006 25:11 min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Avec Once upon a Time, Corinna Schnitt transpose un salon bourgeois en une scène tragi-comique, occupée par des chats, des chiens, des perroquets, des lapins, des lamas et des vaches. Une caméra posée sur le sol, balayant la pièce à 360 degrés, documente la manière dont l'ordre domestique est peu à peu bouleversé. Alors que les animaux s'approprient l'espace, on ne peut s'empêcher de lire leurs comportements et leurs interactions comme des moments symboliques d'une cohabitation sociale.
Dans son travail vidéo, Corinna Schnitt (*1964 à Duisburg / Allemagne, vit à Braunschweig / Allemagne) se concentre souvent sur des observations apparemment désinvoltes mais mises en scène de manière élaborée de la vie quotidienne dans la bourgeoisie - ses normes, ses particularités et ses absurdités - qu'elle éclaire ironiquement à l'interface entre le documentaire et la fiction. Les relations des gens entre eux et avec la nature sont des motifs récurrents dans les vidéos de Schnitt.
Denis Beaubois 1997 09:59 Min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
L'œuvre vidéo In the event of amnesia the city will recall... est née d'une action de trois jours dans l'espace public de Sydney, au cours de laquelle Denis Beaubois s'est placé à douze endroits différents face à des caméras de surveillance, qu'il a considérées comme son véritable public. L'artiste a commencé à interagir avec les caméras de surveillance et a utilisé des panneaux en carton avec des inscriptions pour entrer en dialogue avec elles. Grâce à une technique de montage habile, comme l'utilisation de tirs en contre-plongée, Beaubois parvient à donner l'impression que les caméras réagissent à ses tentatives de communication, par exemple lorsqu'un mouvement de caméra de gauche à droite est lu comme la négation d'une question en secouant la tête. Beaubois fait la satire de la prétendue volonté de sécurité de la société de contrôle en retournant sa technique contre lui-même de manière humoristique.
Le travail de Denis Beaubois (*1970 à Moka / Maurice, vit à Sydney) comprend la photographie, la vidéo et la performance, que l'artiste réalise parfois dans le cadre de collectifs tels que les Post Arrivalists et Gravity Feed, un théâtre de performance à l'intersection des beaux-arts, de l'architecture et du théâtre.
Kristina Paustian 2016 08:22 min. Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Un groupe de jeunes femmes est assis sur le toit d'un immeuble devant un skyline. En uniforme et armées, elles pointent leurs fusils vers une cible qui se trouve en dehors de l'image et qui reste cachée aux spectateurs*. Au lieu de cela, la caméra se concentre sur les postures et les expressions faciales des protagonistes. Avec Positions, Kristina Paustian présente une étude esthétique sur les formes de résistance - aussi bien contre les systèmes politiques que contre les représentations normatives des genres.
Kristina Paustian (*1985 à Omsk / Russie, vit à Berlin) travaille avec l'art vidéo, le film, l'installation vidéo et la performance vidéo. Elle est membre fondateur de UNST, un collectif d'artistes des médias, de conservateurs et d'universitaires qui se consacrent au développement de formats d'exposition expérimentaux pour les médias basés sur le temps. Dans son travail, Paustian examine des questions culturelles, anthropologiques et sociopolitiques, explorant la complexité de voir et d'être vu. Ses films abordent les politiques de l'identité et de la mémoire, la mise en scène des rôles de genre et du féminisme, ainsi que les gestes corporels et l'appropriation des normes comportementales.
Eli Cortiñas 2019 13:12 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Dans Walls Have Feelings, Eli Cortiñas s'intéresse au pouvoir qu'ont les objets et l'architecture de provoquer des changements dans le monde de la politique et du travail. Les protagonistes du film sont des espaces de bureaux, des murs, des œuvres d'art et des structures techniques qui apparaissent comme des figures d'autorité ou comme des conservateurs et des amplificateurs de différentes formes de pouvoir. Partant de l'aménagement de l'espace dans les systèmes totalitaires, ce récit essayiste établit, du point de vue des objets, des liens entre les structures de pouvoir politique, les conditions de production industrielle et les systèmes de création de valeur néolibéraux.
À propos de l'artiste La mémoire visuelle est remise en question dans les travaux d'Eli Cortiñas (*1979 à Las Palmas de Gran Canaria, vit et travaille à Berlin). L'artiste cinéaste et vidéaste analyse du matériel cinématographique déjà existant, issu de la publicité, du cinéma et de la culture pop, et le retravaille et le recontextualise en le modifiant légèrement ou en le confrontant à ses propres prises de vue.
Nancy Holt, Richard Serra Boomerang 1974 10:55 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Nancy Holt, protagoniste de la vidéo réalisée par Richard Serra, est reliée au monde extérieur par un microphone et des écouteurs dans deux directions de signal. Alors qu'elle parle devant la caméra, les écouteurs lui renvoient ses paroles avec une seconde de retard. Dans un monologue, elle se soumet à une introspection en décrivant son rapport à elle-même dans un « monde de réflexions et de réfractions redoublées » Elle tente d'exprimer une expérience qui correspond à la médiatisation technique continue du monde de la vie : elle se sent « éloignée » d'elle-même, ce qui est représenté dans cette vidéo conceptuelle sous une forme discursive.
Richard Serra (né en 1939 à San Francisco / États-Unis, vit à New York et en Nouvelle-Écosse / Canada) est surtout connu depuis les années 1960 comme créateur de sculptures monumentales en extérieur. Pour ses sculptures, il travaille avec des matériaux industriels tels que le plomb et le caoutchouc, le fer et l'acier, la nature du matériau ainsi que le rapport à l'espace étant des éléments centraux de ses travaux. Ce travail vidéo commun a été réalisé avec Nancy Holt (*1938 à Worcester / USA, †2014 à New York), une pionnière de l'art sur site et de l'image animée expérimentale. Outre des travaux dans le domaine du land art ainsi que des installations de grand format dans l'espace public, Holt a expérimenté la photographie et la vidéo, en particulier au début de sa carrière.
2001 04:37 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
PARKEN est représentatif de l'approche artistique d'Asta Gröting, qui explore les relations interpersonnelles à un niveau émotionnel et conceptuel. Une rue étroite encadrée par deux rangées de voitures garées, c'est tout ce que la caméra fixe capture à partir d'une vue d'oiseau. Parfois, une voiture sort, créant une place de parking libre pour laquelle plusieurs conducteurs se disputent instantanément. Les véhicules se déplacent de manière héctique et nerveuse dans la rue étroite, se poussant vers l'avant et se bloquant les uns les autres. Les mouvements révèlent un éventail de tactiques qui symbolisent la concurrence dans une société de néolibérale.
Asta Gröting (*1961 à Herford / Allemagne, vit à Berlin) étudie le corps humain en tant que site de communication interne et externe par le biais des personnes qui l'entourent et de sa propre psyché. Se référant au readymade et au développement de l'esthétique matérielle post-1960, elle s'engage dans le langage de la vie quotidienne à la fois théoriquement et artistiquement, visualisant des questions complexes de coexistence humaine du point de vue de l'histoire culturelle et scientifique. Bien que son travail se soit d'abord concentré sur la sculpture, elle a commencé à explorer le potentiel de l'image en mouvement en 1993.
Lerato Shadi 2010 07:03:56 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Selogilwe est une performance de sept heures, conceptualisée pour la vidéo et filmée en un plan ininterrompu. Pendant toute la durée de la performance, Shadi est assise sur un socle blanc et tricote un fil de laine rouge qui semble sortir de son nombril et ressemble à un cordon ombilical. En Setswana, le terme "Selogilwe" signifie "tissé" et peut être compris à la fois comme un acte répétitif de tricotage et comme le passage du temps, dont la durée est matérialisée par la laine tricotée qui ne cesse de s'allonger. Au fur et à mesure que le temps passe, le tissu rouge tricoté s'allonge, tandis qu'en même temps la fatigue et les agitations de l'artiste s'accentuent et qu'un rendu physique du temps se produit.
L'artiste de la vidéo, de la performance et de l'installation Lerato Shadi (*1979 à Mafikeng / Afrique du Sud, vit à Berlin et à Johannesburg) a étudié les beaux-arts à l'université de Johannesburg et à la Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Sa pratique examine les discours d'inclusion et d'exclusion et la visibilité des personnes de couleur, critiquant les notions purement occidentales de l'histoire. Shadi place son corps au centre de son travail - souvent dans des performances longues et physiquement exigeantes qui traitent de la violence des images et remettent en question la monumentalité et le genre.
Claus Böhmler 1987 03:04:00 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Réalisé en 1987, Record Archive on Videotape montre un plan de caméra unique d'un tourne-disque, sur lequel l'artiste fait jouer différents disques vinyle dans leur intégralité sur une période de 184 minutes. Les enregistrements audio sont brièvement interrompus par l'intervention de la main de l'artiste qui change de disque. Nous entendons un mélange coloré d'enregistrements musicaux, ethnologiques, politiques et d'histoire naturelle, qui citent parfois d'autres formes de médias, comme la bande sonore du classique Psycho d'Hitchcock et des enregistrements du Ed Sullivan Show, une ancienne émission de variétés télévisées aux États-Unis. La vidéo fonctionne comme un guide à travers un voyage ouvert d'associations et d'idées, qui révèlent une myriade d'influences et d'approches sensorielles des espaces de mémoire d'une manière à la fois simple et poignante. Claus Böhmler (*1939 à Heilbronn, †2017 à Hambourg) a créé une œuvre exubérante en plus de 50 ans d'activité artistique. Böhmler a travaillé sur différents supports, en particulier avec des dessins, qu'il a souvent animés sous forme de vidéos. Il a également travaillé avec le langage, les médias électroniques et les installations. L'œuvre de Böhmler dégage un sens de l'expérimentation et de l'humour et peut être considérée comme faisant partie du mouvement Fluxus. De 1974 à 2005, Böhmler a été professeur d'arts plastiques à la Hochschule für Bildende (HFBK) de Hambourg.
Les Levine 1975 16:37 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
Dans sa vidéo I am an Artist, Les Levine marche dans les rues de New York et insiste sur un concept "pur" de l'art : il est un artiste et ne peut donc pas être impliqué (politiquement, socialement). Pourtant, il s'adresse constamment à la caméra qui le suit dans son monologue, ainsi qu'aux passants curieux. En jouant avec les structures de communication, Levine remet constamment en question le système social qu'est l'art avec des déclarations ironiques et provocatrices.
Le travail conceptuel de Les Levine (*1935 à Dublin, vit à New York), pionnier de la vidéo et de l'art médiatique, est centré sur le jeu avec les structures de communication. Il considère l'art comme un système social, qu'il remet sans cesse en question en adoptant des positions ironiques et provocatrices. Levine a tourné ses premières vidéos avec la caméra Sony Portapak dès le milieu des années 1960 et a créé la première installation vidéo en circuit fermé en 1968.
(Extrait) Michael Geißler / Rosalia Müller 1977 00:06:55 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
L'œuvre Mimikry de Rosalia Müller fait partie de la série vidéo Video - Ich sehe mich (en français Vidéo - Je me vois) de 1977, qui comprend plusieurs courtes œuvres d'individu.e.s devant la caméra, mettant en évidence le potentiel performatif du médium pour la mise en scène de soi. La série a été produite et conçue par l'artiste allemand Michael Geißler, qui a fondé en 1969 le collectif « VAM » (Video-Audio-Medien - vidéo, audio, médias). VAM a développé un style vidéo indépendant et documentaire, à la fois ludique et fantaisiste. VAM a été le premier projet vidéo dont les productions ont été diffusées à la télévision allemande et a participé à la Documenta 6 en 1977. Dans Mimikry, l'artiste Rosalia Müller montre de manière humoristique comment travailler sur sa propre image et expression à l'aide d'une caméra. Le travail de Müller est un extrait d'environ 7 minutes de la série vidéo originale, d'une durée totale de 1:02:30 min.
Michael Geißler (*1942 à Berlin, †2003 idem) a fait partie de la première génération de vidéastes en Allemagne. Il a fait partie de la première promotion d'étudiants de la Deutsche Film- und Fernsehakademie de Berlin, mais a été expulsé de force au bout d'un an seulement en raison de l'occupation de la maison Springer. En 1969, il a fondé le collectif de vidéastes VAM, dont le nom signifie Video, Audio, Medien (vidéo audio médias). Le groupe, dont la composition changeait régulièrement, travaillait sur un style de vidéo autonome, documentaire mais aussi ludique, et abordait des thèmes sociaux et sociopolitiques. Au total, quelque 370 productions vidéo ont vu le jour, auxquelles Michael Geißler a participé.
Dans l'œuvre vidéo To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation (2013) (en français: À Valérie Solanas et Marilyn Monroe en reconnaissance de leur désespoir), six interprètes jouent la partition éponyme de 1970 de la compositrice d'avant-garde et artiste sonore américaine Pauline Oliveros (1932-2016). Pauline Oliveros a développé cette pièce après avoir lu le manifeste radicalement féministe SCUM Manifesto (1967) deValerie Solanas, devenue plus tard célèbre en tant que femme qui a tiré sur Andy Warhol. Dans la partie centrale de l'œuvre, les interprètes, Rachel Aggs, Peaches, Catriona Shaw, Verity Susman, Ginger Brooks Takahashi et William Wheeler, sont invité.e.s à imiter les hauteurs et les modulations des autres et interagissent non seulement entre elles et avec leurs instruments, mais aussi avec l'architecture emblématique des années cinquante de la RDA, le Funkhaus à Berlin.
La pièce To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation vise à éviter les hiérarchies entre les musicien.ne.s. Ses instructions sont conçues pour créer une « circulation continue du pouvoir » (Oliveros) entre l'écoute et le son. Les signaux de la pièce sont donnés collectivement par la lumière : une section rouge est suivie d'une section jaune, puis d'une section bleue, et deux autres signaux sont donnés par une lumière stroboscopique.
Pauline Boudry (*1972 à Lausanne / Suisse) et Renate Lorenz (1963 à Berlin) vivent et travaillent ensemble à Berlin depuis 2007. Leur pratique artistique se manifeste par des films, des performances, des chansons, des objets et des textes. Elles collaborent avec des danseuses, des chorégraphes et des artistes avec lesquels elles ont une longue histoire de réflexion sur les conditions de la performance et les hiérarchies violentes des corps, mais aussi sur la communauté, le glamour et la résistance. Boudry et Lorenz décrivent leur travail comme une « archéologie queer », qui prend pour prétexte des photographies, des textes, des films et des chansons historiques pour présenter des aspects jusqu'ici invisibles de sexualités non normatives et de projets de vie alternatifs.
YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIES 2023 35:30 Collection Video-Forum, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.)
A CRISIS OF EVERYTHING AND NOTHING a été produit spécialement pour le n.b.k. Video-Forum Dans le cadre de leur première exposition personnelle allemande, le duo d'artistes a passé plusieurs semaines à Berlin au cours de l'hiver 2022/23. L'œuvre mêle des événements et des rencontres réels de ce séjour à des éléments fictifs. Le point de départ est l'explosion d'un aquarium géant dans l'atrium d'un grand hôtel berlinois qui provoque une crise existentielle chez l'héroïne de l'histoire.
Depuis leur création à la fin des années 1990, les pionniers du net art Young-Hae Chang Heavy Industries (YHCHI) ont développé un style caractéristique dans lequel ils abordent des thèmes tels que l'identité culturelle, les inégalités matérielles, la violence (policière), l'interpénétration des faits et de la fiction et les réalités géopolitiques, dont la division de la Corée. Les thèmes et les intérêts de YHCHI sont presque exclusivement traités par l'écriture et par le biais d'un sujet lyrique, le texte étant rythmé par de la musique - le plus souvent composée par l'auteur - et se construisant phrase par phrase, mot par mot ou lettre par lettre.
à PROPOS DU PROJET
Fondé en 1969 à Berlin, le Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) se consacre à la promotion de l'art contemporain. Ce projet a été motivé par les anniversaires des institutions collaboratrices : en 2022, le Goethe-Institut Montreal fêtait son 60e anniversaire, et en 2021, le n.b.k. Video-Forum a fait le point sur ses 50 ans d'activité. Fondé en 1971 à l'initiative d'artistes et de travailleuses.eurs culturels de Berlin, le Video-Forum est la plus ancienne et la plus grande collection d'art vidéo d'Allemagne, avec 1.700 œuvres d'art vidéo internationales. La collection se concentre sur Fluxus, la pratique vidéo féministe, l'art vidéo historique et contemporain de Berlin et les approches réflexives sur les médias.
