NEW NATURE réunit des climatologues, des artistes et des créateurs de premier plan du Canada, d'Allemagne, du Mexique et des États-Unis qui travaillent à l'avant-garde des technologies immersives afin de créer des réseaux, d'échanger des connaissances et de participer à des conversations explorant les nouvelles frontières de notre science du climat, de l'éducation et de l'immersion.
Fernanda Parente est commissaire d'exposition, développeuse de concepts, entrepreneuse et conférencière dans les domaines de l'art, de la culture et de la technologie. Elle s'intéresse à la puissance des contenus immersifs (RV, RM, XR) et aux moyens novateurs d'entrer en contact avec le public.
Fernanda a déjà été commissaire pour le festival du film et de la technologie Digital Biscuit, re:publica Berlin et Dublin, Future Affairs, entre autres. En outre, Fernanda a été modératrice et donné des présentations au News Impact Summit, au Retune Festival et à VRNOW Con.
Elle fait actuellement partie des comités de programmation de #rp20 et du Performing Arts Festival Berlin.
Nick Shapiro est un chercheur environnemental multidisciplinaire qui se consacre à l'étude et à la conception des interventions en matière de contamination chimique, de changement climatique et d'incarcération de masse.
Heather Davis est professeure adjointe de culture et de médias au Eugene Lang College, The New School à New York. Son projet de livre actuel porte sur le plastique et ses liens avec le pétrocapitalisme. Heather Davis a donné des conférences dans le monde entier, notamment au MoMA, au Musée des beaux-arts du Canada, au MIT, à Columbia University, à la Biennale de Yinchuan et à Sonic Acts.
Elle a écrit sur l'intersection de l'art, de la politique et de l'écologie pour de nombreuses publications dans le domaine de l'art et de la science. Elle est également co-éditrice du livre Art in the Anthropocene : Encounters Among Aesthetics, Politics, Environments and Epistemologies (Londres : Open Humanities Press, 2015) et éditrice de Desire Change : Contemporary Feminist Art in Canada
Le Dr Mauro est le directeur des communications pour le Centre climatique des Prairies et directeur du collège Richardson pour l’environnement de l'Université de Winnipeg. Il détient un baccalauréat en Science de l'environnement, un doctorat en géographie, et a étudié en tant que boursier postdoctoral à l'ethnoécologie. Il est un ancien chaire universitaire de Recherche Canada, un membre de la Société royale du collège des nouveaux chercheurs du Canada, artistes et scientifiques, éducateur distingue d’Apple et a siégé sur des comités d'experts liés à la sécurité alimentaire et les questions d'énergie au Canada.
En tant que scientifique, chercheur et cinéaste, le travail de Mauro explore l'interface entre les sciences, la société et la durabilité et l'importance du rôle des savoirs locaux et de connaissance autochtone dans ce discours. Il a développé de nombreux, projets multimédia primés sur le changement climatique au Canada, y compris l'Qapirangajuq : connaissances des Inuits et des changements climatiques (co-réalisé avec célèbre cinéaste inuit Zacharias Kunuk) et Beyond Climate (en collaboration avec le Dr David Suzuki).
Mauro a été en vedette dans des conférences universitaires, des musées, des festivals du film et des médias tels que l'Organisation des Nations Unies, l’institution Smithsonian, le National Geographic, le Musée Royal de l'Ontario, ImagineNative, Festival International du Film de Berlin, le Globe and Mail et This American Life.
La Dre Yewande Pearse est une neuroscientifique et une communicatrice scientifique. Ses recherches en laboratoire portent sur les pathologies du cerveau et leurs traitements potentiels, mais sa fascination pour le cerveau ne se limite pas à un seul domaine. Elle a obtenu son doctorat au King's College de Londres et est boursière postdoctorale de l'Institut Lundquist de Harbor-UCLA, qui est affilié à l'UCLA.
En dehors du laboratoire, Yewande anime un podcast musical et scientifique sur la radio Dublab intitulé Sound Sciencea écrit pour Massive Science et TEDMED et est membre de la résidence collective de NAVEL Los Angeles, où elle a siégé au comité de programmation en 2019 et est membre du conseil d'administration.
Biologiste de l'Université nationale du Mexique, titulaire d'un master en sciences de l'Institut des sciences de la mer, de l'UNAM et de l'Université Aix Marseille, docteur de l'Université Stony Brook. Chercheuse principale du Laboratoire d'écologie bactérienne de l'Institut d'écologie de l'UNAM depuis 2006. Professeur invitée à l'Université de Kyoto, Japon et au Lawrence Berkeley National Laboratory, États-Unis.
Elle s'est spécialisée dans l'écologie microbienne des tapis microbiens, des microbialites et des biofilms dans différents environnements aquatiques, y compris les sites tropicaux, tempérés et polaires. Récemment, elle a commencé à travailler sur le microbiome de la faune sauvage. Elle est l'auteur de plusieurs publications scientifiques, notamment des articles et des chapitres, et contribue à des initiatives de sensibilisation.
Simon David Hirsbrunner travaille actuellement comme chercheur postdoctoral au sein du groupe de recherche en informatique centrée sur l'homme de la Freie Universität Berlin et il est membre du réseau de recherche Geo.X.
Il est titulaire d'un doctorat en ethnographie des médias (Université de Siegen), d'un master en études européennes des médias (Université de Potsdam) et d'un master en relations internationales (Institut supérieur d'études internationales et de développement).
Dans le cadre de ses recherches, il étudie la mobilisation et la popularisation des scénarios d'impact climatique par le biais de données, de technologies et de plateformes numériques. Son prochain livre, A New Science for Future (Une nouvelle science pour l'avenir), rassemble quelques aperçus de ses travaux scientifiques : Climate Impact Research and the Quest for Digital Openness (Une nouvelle science pour l'avenir : la recherche sur l'impact climatique et la quête de l'ouverture numérique).
Tamiko Thiel a reçu le Prix Pionnier Visionnaire 2018 de la Société des arts technologiques de Montréal pour plus de 30 ans d'art médiatique explorant l'interaction entre le lieu, l'espace, le corps et l'identité culturelle dans des œuvres d'art socialement et politiquement critiques. Elle a été la conceptrice principale du produit sur le superordinateur AI « Connection Machine CM1/CM2 », qui en 1989 était l'ordinateur le plus rapide du monde et qui se trouve maintenant dans la collection du MoMa à New York.
Son travail en réalité virtuelle a commencé en 1994, lorsqu'elle a travaillé aux côtés de Steven Spielberg en tant que productrice et directrice créative de Starbright World (1994-'97). Sa première installation d'art RV, Beyond Manzanar (2000), se trouve dans la collection du San Jose Museum of Art ; elle a créé sa plus récente œuvre d'art RV, Land of Cloud, en 2017 en tant qu'artiste GoogleRV en résidence, et l’année suivante, elle a remporté le prix du public au festival RV VRHAM à Hambourg, en Allemagne. Sa première œuvre de réalité augmentée, « ARt Critic Face Matrix », a fait partie de l'intervention révolutionnaire de la RV au MoMA New York en 2010. Elle a ensuite organisé une intervention RA à la Biennale de Venise en 2011. Parmi ses commandes de RA figure « Unexpected Growth » pour le Whitney Museum, qui fait désormais partie de l’exposition permanente.
Luftwerk est une association coopérative composée de Petra Bachmaier et Sean Gallero et basée à Chicago. Leur pratique est centrée sur l'exploration de la lumière, de la couleur et de la perception dans des installations et des sculptures immersives et basées sur l'expérience. Le nom Luftwerk incarne leur vision commune d'un travail « léger » ou « éphémère ». Depuis sa fondation en 2007, le travail de Luftwerk a été présenté au Denver Art Museum, à l'Art Institute of Chicago, au MASS MoCA et dans des sites architecturaux importants tels que le « Fallingwater » de Frank Lloyd Wright et le « Pavillon de Barcelone » de Mies van der Rohe.
Petra Bachmaier est titulaire d'un diplôme de master de l'université des Beaux-Arts de Hambourg, en Allemagne, et d'un BFA de la School of the Art Institute of Chicago (SAIC). Sean Gallero, originaire du Bronx, a étudié l'art et les sciences humaines au Lehman College - City University de New York. Il a poursuivi ses études au SAIC dans les domaines de la communication visuelle, de l'art et de la technologie, et de la performance.
Andrea Polli est une artiste environnementale dont le travail se situe à l'intersection de l'art, de la science et de la technologie. Ses recherches interdisciplinaires ont été présentées sous forme d'œuvres d'art public, d'installations médiatiques, de projets communautaires, de performances, de diffusions, de médias mobiles et géolocatifs, de publications, ainsi que par le commissariat et l'organisation d'expositions et d'événements publics. Elle crée des œuvres d'art destinées à sensibiliser le public aux questions environnementales.
Ces œuvres expriment souvent des données scientifiques obtenues grâce à ses collaborations avec des scientifiques et des ingénieurs, et elles prennent la forme d'art sonore, d'œuvres basées sur des véhicules, d’installations lumière publiques, d'expériences médiatiques mobiles et de bio-art et design. Polli est titulaire d'un MFA en Time Arts de la School of the Art Institute of Chicago et d'un doctorat en recherche pratique de l'université de Plymouth au Royaume-Uni.
Futuriste Sara Lisa Vogl explore et construit en collaboration de nouvelles réalités virtuelles et augmentées pour inspirer, unir et enrichir l'humanité.
Avec une formation en design, arts de la communication et médias interactifs et amoureuse de l'idée de nouveaux mondes, Sara a pour mission de dépasser le statu quo de ce que sont les réalités virtuelles immersives et d'explorer leurs divers potentiels pour l'avenir. En plus de développer et de diriger des expériences de RX, Sara organise des voyages de RV à long terme et guide les gens lors de ces voyages en tant que première chamane de RV au monde. Poussée par la quête d'une immersion profonde dans ses expériences, cette futuriste berlinoise explore de nouveaux concepts d'interaction comme la méthode innovante de la main-locomotion dans son expérience Lucid Trips ainsi que des façons expérimentales de raconter des histoires. En créant des installations immersives, Sara travaille avec des capteurs, l'haptique et l'intersection entre les algorithmes et les mondes réels.
Aljumaine Gayle est un.e technologue créatif.ve interdisciplinaire queer qui travaille à l'intersection de la technologie, de l'art, du design et de la justice des données. Actuellement inscrite au programme Digital Futures de l'OCADU, il.elle co-organise et conçoit activement des programmes au nom d'IntersectTO.
Dans son travail artistique, Aljumaine explore les notions d'altérité noire dans la vie contemporaine et vise à subvertir cette altérité par l'afrofuturisme et l'utilisation artistique de la technologie. Son art numérique interactif remet en questionles gestes symboliques et les récits de traumatismes qui caractérisent la majorité de l'art noir, du cinéma et de la musique grand public.
Tega Brain est une artiste et une ingénieure environnementale d'origine australienne dont les travaux portent sur des questions d'écologie, de systèmes de données et d'infrastructures. Elle a créé des réseaux sans fil qui répondent à des phénomènes naturels, des systèmes permettant d'obscurcir les données sur la condition physique et un service de rencontres en ligne basé sur l'odorat.
Elle a récemment exposé à la Triennale de Guangzhou, à la Haus der Kulturen der Welt à Berlin, au New Museum de New York et à la Science Gallery de Dublin. Son travail a fait l’objet de nombreux articles dans la presse, notamment dans le New York Times, Art in America, The Atlantic, NPR, Al Jazeera et The Guardian, ainsi que dans des blogues d'art et de technologie comme le Creators Project et Creative Applications. Elle a donné des conférences et des ateliers dans des musées et des festivals comme EYEO, TedxSydney et le festival Sonar.
Tega est professeur adjointe en médias numériques intégrés à l'université de New York. Elle travaille avec la Processing Foundation sur la série de conférences Learning to Teach et le projet p5js. Elle a bénéficié de résidences et de bourses à Data & Society, Eyebeam, GASP Public Art Park, l'Environmental Health Clinic et l'Australia Council for the Arts.
Tosca est une artiste interdisciplinaire travaillant à l'intersection de l'art et l'écologie. Elle a reçu des bourses du Corning Museum of Glass, de la Pilchuck Glass School et de la Penland School of Crafts pour le développement d'œuvres contenant du métal, du verre et des pièces électroniques. Son travail a été par SOFA New York, Culture Canada, Matalsmith Magazine, Toronto Design Exchange, Memphis Metal Museum, Urban Glass Brooklyn, Music Works Magazine et Vector Festival.
Tosca a bénéficié de résidences de Nes, Skagaströnd, du programme de recherche Ayatana à Ottawa et de l'Association islandaise des artistes visuels via Sím, Reykjavik, Islande. En 2019, Tosca a été l'une des premières bio-artistes à recevoir une résidence au Museum of Contemporary Art Toronto, un projet en partenariat avec le Centre des sciences de l'Ontario). Elle a également reçu le 2019 BigCi Environmental Award au parc national de Wollemi, site du patrimoine mondial de l’UNESCO, dans les Greater Blue Mountains, pour faire avancer ses travaux sur la biosonification des champignons et des arbres avec des mycologues et botanistes locaux de Wollemi, des jardins botaniques de Sydney, ainsi qu’avec des rangers Māori qui étudient l'extinction des kauris au Arataki Visiter Centre en Nouvelle-Zélande.
Julian Bonequi(né au Mexique en 1974) est un artiste hybride et un producteur transmédia travaillant avec des immersions sonores et des récits étendus. En tant que fondateur de Audition Records [Berlin - Mexique], il a publié une importante collection d'art expérimental avec plus de 120 éditions dans le monde entier et produit des séries en tant que commissaire invité en collaboration avec le Salon Bruit Berlin, le Festival Akouphène à Genève, le Musée Ex Teresa Arte Actual et la CCDRadio du Centre de culture numérique au Mexique.
Il a professeur en arts médiatiques au Mexique et donné des cours d'animation numérique aux candidats au master de l'université Pompeu Fabra et de l'université polytechnique de Valence. Il a également donné des ateliers de sonification en 3D et de réalité virtuelle au Mexican Center for Music and Sonic Arts.
En tant qu'artiste 3D expérimenté et généraliste dans son domaine, il a collaboré avec des groupes de recherche sur les technologies interactives et les neurosciences dans le cadre de projets d'expositions et de jeux éducatifs. En tant que musicien, Bonequi s'est souvent produit avec des orchestres et des ensembles à Londres, Berlin, Madrid, Barcelone et Istanbul.
Il a remporté le CTM Radio Lab Berlin 2017 avec sa pièce radiophonique de science-fiction « The Death of the Anthropocene »; et il a développé la pièce « Antagony. VR Chamber Opera » dans le cadre du programme d'aide à la production et à la recherche en art et médias 2016. Bonequi travaille actuellement au projet « ??m?v?ltn", une composition interactive commandée par le Konzerthaus Berlin. En tant que membre du National System of Art Creators (FONCA), il développe des interfaces de réalité mixte pour son projet « Holophrenic Theater ».
Ladan Mohamed Siad est un.e designer interdisciplinaire, technologue créatif.ve et chercheur.se basé.e à Toronto et New York, qui explore les relations entre le design, la technologie et les expériences noires universelles de la diaspora.
Alfredo Salazar-Caro est un créateur culturel qui vit et travaille entre Mexico, New York et le monde de l'Internet. Salazar-Caro est co-créateur et directeur créatif de DiMoDA, le Digital Museum of Digital Art. DiMoDA est un projet révolutionnaire qui fonctionne comme une institution de RV et une plateforme d'exposition dédiée au développement de l'art de la RX.
Son travail a été exposé à l'échelle internationale. Parmi ses expositions et ses sites, citons: Tribeca Film Festival ; Dreamlands au Whitney Museum ; The Wrong Biennale à São Paulo, Brésil ; New Normal Beirut/Istanbul ; Die Ungerahmte Welt, HeK à Bâle, Suisse ; Siggraph Asia, Bangkok, Thaïlande et 1Mes1Artista, Mexico, entre autres. On peut également voir ses oeuvres dans des publications telles que Leonardo, Cultured Magazine, Vice Magazine et Projet Créateurs.
Phil Max Schöll est un motion designer et artiste vidéo basé à Berlin.
Il est né à Munich en 1982 et a étudié le design à Constance. En 2009, il a fondé son studio Weltraumgrafik, qui produit et conçoit des animations vectorielles, qui sont souvent présentés en relation avec des projections ou des éclairages comme des installations audiovisuelles artistiques dans le cadre d’événements ou dans l'espace urbain.
L'objectif est de trouver des approches non conventionnelles au plan de la conception et de nouvelles formes de beauté dans le domaine de l’animation.
Allison Moore est une artiste des nouveaux médias qui travaille dans le cinéma élargi et qui est basée à Montréal. Actuellement candidate au MFA en production cinématographique à l'Université Concordia, elle fait avancer la recherche sur les médias immersifs et la RV en tant que membre de Milieux, TAG et de la grappe Post Image. Au cours des 14 dernières années, elle a créé une pratique indépendante en participant à des résidences, des ateliers et des expositions à l'échelle internationale.
Son travail a été programmé à Tokyo Arts and Space (Japon), ISEA 2015, OBORO (Montréal), Traverse Video (France), Museu de Arte de Belem (Brésil), Festival du Nouveau Cinéma (Montréal), FIFA Experimental (Montréal), MAPP Festival et MUTEK Montréal. Sa série de panoramas vidéo multi-écrans dépeint des paysages improbables faisant référence à des dioramas scéniques. Son œuvre Wunderkammer, un mur vidéo de 35 écrans, peut être vue à la Place-des-Arts (Québec). Elle est actuellement en production avec une œuvre d'art public en nouveaux médias pour le Grand Théâtre de Québec et développe des projets en RV.
Moore travaille en tant que rédactrice, compositrice et animatrice indépendante et donne des ateliers sur les pratiques des nouveaux médias.
Kite , alias Suzanne Kite, est une artiste de performance, artiste visuelle et compositrice Oglála Lak?óta qui a grandi en Californie du Sud. Titulaire d'un BFA de CalArts en composition musicale et d'un MFA de la Milton Avery Graduate School du Bard College, elle est récemment candidate au doctorat à l'Université Concordia. La recherche et la pratique de Kite mettent en lumière les épistémologies lakotas contemporaines par la recherche-création, les médias informatiques et la performance.
Récemment, Kite s'est consacrée au développement d'une interface corporelle pour des performances de mouvement, des sculptures en fibre de carbone, des installations vidéo et sonores immersives, en plus de codiriger l’étiquette électronique expérimentale Unheard Records
Pour la première Biennale d'art de Toronto en 2019, Kite a produit en collaboration avec Althea Thauberger une installation intitulée « Call to Arms », qui présente des enregistrements audio et vidéo de leurs répétitions sur le Navire canadien de Sa Majesté (NCSM) York. Cette oeuvre comportait également une performance en direct avec le sextuor Conch Shell, qui a joué les quatre partitions musicales composées par Kite.
Elle a également publié de nombreux articles dans plusieurs revues et magazines. Le « Journal of Design and Science » (MIT Press) a notamment présenté l'article primé « Making Kin with Machines », qu’elle a co-écrit avec Jason Lewis, Noelani Arista et Archer Pechawis. Elle est actuellement boursière de la Fondation Pierre Elliott Trudeau pour 2019.
Javier Soto Morras est concepteur d’interaction et co-fondateur de NEEEU GmbH. Son travail chez Neeeu porte sur l'humanisation de la technologie et la recherche de moyens pour rendre tangibles les concepts abstraits.
Formé au Royal College of Art et ayant une formation d'ingénieur, Javier a reçu des distinctions telles que le Prix européen de la jeunesse. Son travail a été exposé dans des lieux tels que le MoMA à New York, le Design Museum à Londres ou le Design Museum de Séoul.
Avec NEEEU, Javier travaille dans plusieurs secteurs, dont la santé, la culture et le développement, et aide les entreprises à explorer et créer des produits et des services se trouvant à l'intersection des nouvelles technologies et ayant pour but d’intégrer les besoins, espoirs et désirs réels des gens.
Johannes Helberger crée des expériences musicales et sonores spatiales pour des installations, des performances scéniques, des expositions et des environnements interactifs présentés et réalisés dans le monde entier. La transformation des espaces acoustiques et le jeu avec la perception des spectat.eurs.rices, sont devenus sa signature en tant qu'artiste sonore spatial.
Il est co-fondateur de kling klang klong,un studio de son, de musique et de narrations acoustiques basé à Berlin. Cette équipe polyvalente développe des scénographies acoustiques à l'intersection de la science, de l'art et de la communication. Que ce soit dans des espaces réels ou des environnements virtuels, le studio traite le/la visiteur.euse comme un.e participant.e actif.ve interagissant avec des environnements sonores organiques.
La carrière de Felipe dans le domaine du design sonore l'a amené à créer des univers sonores dans de nombreux genres cinématographiques, y compris des publicités pour plus de treize marques de voitures différentes. Aujourd'hui, dans le cadre de son travail sur les expériences audio multicanaux, RV et 3D innovantes, ses recherches scientifiques sur le son et l'acoustique des produits, Felipe s'efforce d'apporter un codage créatif et une conception axée sur l'effet aux technologies émergentes.
Cet objectif a motivé les efforts de Felipe, qui a été l'un des premiers concepteurs sonores à relever les défis de l'eMobilité et de ses véhicules silencieux, en travaillant en étroite collaboration avec des experts d'Audi, de Porsche et de Volkswagen, entre autres.
Ces dernières années, la pratique de Felipe en matière de recherche s'est étendue au-delà de l'eMobilité pour explorer l'avenir du paysage sonore urbain au sens large. Il étudie actuellement des questions critiques et culturelles sur les dimensions éthiques du son dans les espaces futurs.
Winslow Porter est un réalisateur, producteur et technologue créatif basé à Brooklyn, spécialisé dans la réalité virtuelle/augmentée et les installations immersives à grande échelle. Peu après avoir obtenu son diplôme du programme ITP de NYU Tisch, il a produit le documentaire CLOUDS, primé au Festival du film de Tribeca en 2014, parmi d'autres projets de nouveaux médias acclamés.
Winslow a créé le studio New Reality Company avec Milica Zec en 2016, créant les expériences cinématographiques de réalité virtuelle Giant et Tree, qui ont été saluées par la critique. Ils ont tous deux été nommés designers en résidence chez A/D/O ; ils ont également été sélectionnés dans le Top 100 des créatifs d'Adweek en tant qu'innovateurs numériques. En 2018, Tree a remporté le prix Lumiere du meilleur court-métrage de RV basé sur un lieu aux Warner Brothers Studios de Los Angeles, le prix de l'innovation à Games For Change, deux Telly Gold Awards pour l'utilisation de la RV et la responsabilité sociale dans le contenu de marque, et le Webby People's Voice Award pour la RV.
Winslow est actuellement un leader culturel au Forum économique mondial de Tianjin, en Chine (2018) ; à Davos, en Suisse (2019 et 2020). Il est actuellement artiste en résidence à R/GA à New York et est également un mentor de NEW INC.
Anna Mauersberger (née en 1982) est une designer d'émotions, une productrice créative et une innovatrice en éducation qui travaille à l'intersection de la croissance personnelle, des arts, de la technologie et de l'activisme social. En 2018, elle a cofondé l'organisation éducative HeartWire, dont l'objectif est d'innover dans la façon dont nous enseignons et apprenons sur le monde. HeartWire conçoit des expériences collectives subjectives et des interactions sociales pour adolescents et adultes. Ces oeuvres ne s'adressent pas seulement à leur tête, mais aussi à leurs émotions, leur corps et leur âme. Les formats de HeartWire vont des pièces de théâtre immersives aux rituels de RV, en passant par les quêtes de vision modernes de plusieurs jours dans la nature.
Anna est née à Madrid. Elle a grandi à Madrid et Bonn et étudié les sciences politiques à Bayreuth, Lille et Grenoble. Elle a commencé sa carrière en travaillant pour la société de production cinématographique et télévisuelle allemande UFA (5 ans), où elle a dirigé et lancé l'initiative éducative primée DHDM (aujourd'hui : Mesh Collective), réalisant un travail de pionnière dans le domaine de l'éducation numérique extrascolaire des jeunes. Anna a suivi une formation d'entraîneur au Chili et au Pérou en 2015 et a depuis poursuivi ses études dans le domaine de la croissance personnelle : Elle est une formatrice mentale et une guérisseuse énergétique certifiée, et deviendra bientôt formatrice en milieu sauvage et praticienne de l'expérience somatique. Après avoir vécu près de dix ans à Berlin, Anna s'est récemment installée dans la campagne allemande, où elle vit avec son partenaire et co-fondateur Anselm et, parfois, les quatre enfants de ce dernier. Elle parle couramment l'allemand, le français, l'espagnol et l'anglais.
Anna Mollest née à Rostock en 1988. Elle a étudié la production télévisuelle et le journalisme à l'université de Westminster à Londres. Avant de créer sa propre agence et société de production "Molle&Korn" , elle a travaillé à l'ARD Auslandsstudio de Londres, dans des productions pour la BBC et au UFA LAB Berlin.
Anna est spécialisée dans le développement et la mise en œuvre de formats numériques ayant une pertinence sociale, de productions transmédia et de courts métrages en ligne comme "A Message from the Future" (fondation EVZ), la campagne politique YouTube #YouGeHa ou le documentaire cross-média ARTE « Follow Me » aussi que la série web « I Follow » sur les vidéoblogueurs arabes et leurs communautés en Syrie, en Égypte, à Dubaï et en Arabie Saoudite. En 2020, Anna a lancé sa série de documentaires web « Calling Home » (ARTE) dans laquelle des parents et leurs enfants adultes ont une conversation téléphonique sur une question de société à propos de laquelle ils ont des opinions différentes.
Avec sa société Molle&Korn, elle écrit, produit et réalise également des publicités et des campagnes en ligne pour des ONG, des fondations et des marques qu'elle aime. Actuellement, Anna développe une série de courts-métrages en ligne qui visent à attirer les personnes d'idéologies politiques opposées et à créer une discussion constructive entre elles. Cette série est une coproduction entre l’Office national du film du Canada et Turbulent (Montréal).
Le travail d'Annas a remporté des prix tels que le Prix des médias CIVIS pour l'intégration et un prix ADC (film). Elle a également été nominée plusieurs fois pour le Grimme Online Award et le Grimme Prize en Allemagne.
Elena est une productrice de films mexicaine, une promotrice culturelle et une activiste. Elle travaille dans l'industrie du film documentaire depuis plus de 15 ans. Elle est la co-fondatrice, avec Gael García Bernal, Diego Luna et Pablo Cruz, d'Ambulante, dont elle a été la directrice de 2005 à 2015.
Les multiples programmes d'Ambulante comprennent le plus grand festival itinérant de films documentaires d'Amérique latine, un programme de formation pour les communautés défavorisées du Mexique et une division éditoriale. L'organisation a reçu des prix et des subventions prestigieux, dont le prix Prince Claus (2019) et le prix WOLA Human Rights en reconnaissance de ses antécédents en matière de promotion du documentaire comme outil de changement.
En 2017, Fortes a fondé avec la productrice primée et boursière du Flaherty Fillm Seminar, Daniela Alatorre, la société de production No Ficción basée à Mexico. Avec cette société, elle a produit dix films au cours des trois dernières années, dont Midnight Family (d. Luke Lorentzen), présélectionné pour les Oscars 2020, et Vivos (d. Ai WeiWei) qui a été présenté en première au Festival du film de Sundance 2020. Fortes a participé à des jurys et à des comités de programmation pour divers festivals de films et organisations, parmi lesquels Camerimage, Sundance, CPHDOX, Hot Docs, et le Festival international du film de Guadalajara. Elle est également une graphiste accomplie et a obtenu une licence en communication de l'université de Pennsylvanie en 2003.
Daniela Alatorre, No Ficción, est productrice et cinéaste mexicaine. Elle est titulaire d'un MFA en film documentaire de la School of Visual Arts de New York. Elle a fait partie des laboratoires de montage, de musique et de production créative de Sundance, et a participé au Flaherty Film Seminar pendant plusieurs années. Elle a produit le Festival international du film de Morelia et a été à la tête du Comité de programmation des documentaires pendant dix ans. Daniela est la productrice du documentaire El General, primé à Sundance en 2009 et réalisé par Natalia Almada) ; ¡De Panzazo ! réalisé par Juan Carlos Rulfo et Carlos Loret de Mola) ; El Ingeniero réalisé par Alejandro Lubezki ; et le NYT OpDocs Unsilenced, réalisé par Betzabé García.
En 2017, elle fonde No Ficción avec Elena Fortes et Cinépolis. Elle a produit une série de courts métrages documentaires pour Netflix (A Tale of Two Kitchens, réalisé par Trisha Ziff ; A Three Minute Hug, réalisé par Everardo González ; Birders, réalisé par Otilia Portillo ; Lorena,Light Footed Woman, réalisé par Juan Carlos Rulfo ; et After the Raid, réalisé par Rodrigo Reyes), un documentaire d'opinion pour le New York Times (Ruptured City, réalisé par Diego Rabasa et Santiago Arau), le long métrage documentaire Midnight Family, réalisé par Luke Lorentzen, dont la première a eu lieu à Sundance où il a obtenu le prix du jury pour la meilleure cinématographie dans la compétition américaine de documentaires, et Vivos, un long métrage documentaire réalisé par l'artiste chinois Ai Weiwei. Retiro est son premier long métrage documentaire en tant que réalisatrice. Il a été présenté en avant-première au Festival du film de Morelia 2019 où il a obtenu une mention spéciale du jury.
Julian Adenauer a étudié l'ingénierie mécatronique, mais a commencé à tisser des liens entre la technologie, le design et l'art alors qu'il était encore étudiant. Membre du duo d'artistes Sonice Development, il a développé des installations d'art robotique qui ont été exposées à l'échelle internationale. Dans le cadre du programme interdisciplinaire d'études supérieures prometei, il a fait des recherches sur l'interaction homme-technologie dans le développement de produits.
En tant que fondateur et directeur de Retune, il organise depuis 2012 des festivals, des événements et des ateliers interdisciplinaires. Depuis 2018, il est également professeur invité en technologies numériques et interactives à la Weißensee School of Art Berlin.
Nadia Oertelt est cofondatrice de Massive et respnsable de contenu chez Science Friday. Massive est une entreprise de médias scientifiques qui vise à connecter le public et les scientifiques de nouvelles façons. Ancienne chercheuse scientifique, elle travaille actuellement comme productrice de médias et réalisatrice de documentaires. Elle aime faire entrer l'art dans des espaces quantitatifs. Auparavant, elle a travaillé comme productrice principale chez Mashable et a été productrice scientifique chez Buzzfeed et Vice. Elle a travaillé à HarvardX pendant près de quatre ans pour produire The Fundamentals of Neuroscience. Elle a obtenu son diplôme du MIT en 2007 avec une licence en neurosciences. Elle a travaillé dans des laboratoires du MIT, de Harvard et de l'université de Cambridge. Elle a vécu de nombreuses années à Londres et elle est maintenant basée à New York.
Silkeis est à la tête de la toute nouvelle société XR HUB Bavaria / Munich de Medien.Bayern GmbH. Elle avait travaillé auparavant au ministère bavarois des Affaires numériques dans le domaine des "médias audiovisuels - film, jeux et XR", ainsi qu’au ministère bavarois des Affaires économiques au sein du département du commerce extérieur.
Elle était responsable principalement de la gestion des relations économiques des entreprises bavaroises avec les États-Unis et le Canada (en particulier avec le Québec en tant que région partenaire de la Bavière), avec un large éventail de sujets allant des médias, des industries numériques et créatives, de l'énergie et de la médecine à la mobilité et à l'aérospatiale. Elle a acquis une expérience industrielle de première main et travaillé comme experte nationale à la Commission européenne. Elle a commencé sa carrière au ministère bavarois de l'Environnement en travaillant sur l'eau, l'air et les produits chimiques.
Sonia Shechet Epstein travaille à l'intersection de la science et de la culture visuelle. Elle est rédactrice en chef et conservatrice associée des sciences et du cinéma au Museum of the Moving Image de New York. Sonia produit tout le contenu de la publication en ligne du musée, scienceandfilm.org et gère les activités liées à la science et au cinéma au musée. Elle est la conservatrice de la série de films Science on Screen qui associe des projections de films rares à des conversations entre scientifiques et cinéastes offrant de nouvelles perspectives sur le cinéma et les sujets scientifiques. Sonia a donné des conférences internationales sur l'intersection de la science et du cinéma.
Avant d'occuper son poste au Museum of the Moving Image, elle était associée principale de programme à la Fondation Alfred P. Sloan, où elle évaluait les propositions de programme artistique multiplateforme visant à améliorer la compréhension de la science auprès du public. Elle a travaillé pour le prix Nobel de neurosciences Eric R. Kandel à l'université Columbia pour son livre The Age of Insight : The Quest to Understand the Unconscious in Art, Mind, and Brain from Vienna 1900 to the Present, et elle a contribué à la production de la série The Brain pour PBS. Elle est fondatrice de l'organisation NEW INC du New Museum pour les praticiens travaillant avec l'art, la technologie et le design. Sonia est actuellement candidate à un master en sciences humaines expérimentales à l'université de New York. Elle est lauréate de la bourse du doyen pour les étudiants de maîtrise se distinguant par la qualité de leur travail de recherche.
Elizabeth Miller est réalisatrice de documentaires et professeur à l'Université Concordia. Elle utilise la collaboration et l'interactivité comme moyen de relier des histoires personnelles à des préoccupations sociales plus larges. Ses projets multi-plateformes sur des questions d'actualité telles que la privatisation de l'eau, les droits des réfugiés, le genre et la justice environnementale ont été récompensés et ont influencé les décideurs. Son travail a été diffusé à la télévision internationale, sur Netflix et présenté dans des galeries, des conférences sur le climat et lors de festivals, notamment Hot Docs et SXSX.edu.
Miller est professeur titulaire en études de communication à l'Université Concordia de Montréal et son livre Going Public : The Art of Participatory Practice (2017) et des articles dont Chorégraphies de collaboration : Social Engagement in Interactive Documentaries (2016) ont été intégrés dans les programmes d'enseignement.
Jasmin Grimm est commissaire indépendante pour des projets culturels internationaux et co-fondateur de Rosy DX - un studio numérique. Avec une formation en Communication dans les contextes sociaux et économiques (M.A., université des Arts de Berlin), elle développe des concepts pour des expositions, des festivals, des conférences et des ateliers à l'intersection de l'art, de la société et de la technologie.
Jill Didur est doyenne associée et professeure d'anglais et d'humanités environnementales postcoloniales à l'Université Concordia, à Montréal, et membre du Technoculture Art and Games Research Centre de Milieux Institute for Art, Culture and Technology.
Elle est co-éditrice de Global Ecologies and the Environmental Humanities : Postcolonial Approaches (Routledge 2015) et autrice de Unsettling Partition : Literature, Gender, Memory (UTP 2006). Elle a publié sur l'importance des médias locaux, de la recherche botanique coloniale, des écrits sur le jardinage impérial et postcolonial, et des subversions littéraires de la pratique du paysage dans l'Inde coloniale et postcoloniale. Elle est également la créatrice de l'application mobile The Alpine Garden Misguide / Jardin Alpin Autremont (iTunes Apple Store 2015), qui a été installée au Botanique de Montréal en mai 2015. Elle développe actuellement une expérience d'inspiration locale, Global Urban Wilds, qui fait référence à l'environnement des colons et à l'Anthropocène, et qui doit être vécue comme une installation sur les Champs des Possibiles de Montréal. Elle est titulaire d'une subvention Insight du CRSH au sujet : Greening Narrative: Locative Media and Globalized Environments (2014-2022). Elle termine également un livre sur l'impérialisme, le jardinage et l'environnement tels qu'ils se reflètent dans la littérature postcoloniale. Elle fait également partie des comités de rédaction d'ARIEL, de Postcolonial Text et du Management Committee of Environmental Humanities.
Marie-Pier Gauthier est productrice au studio des productions interactives de l'Office national du film du Canada et contribue à ce véritable laboratoire narratif depuis les huit dernières années. Qu'il s'agisse de création numérique sur mobile ou sur le web, d'installations interactives comme d’expériences en réalité virtuelle ou augmentée, elle oriente et supervise la réalisation de projets d’auteurs novateurs à la croisée des disciplines. Réseaux sociaux, code, design, intelligence artificielle, robots conversationnels sont autant de voies d’expression privilégiées pour raconter les histoires des projets qu’elle produit. Diplômée en journalisme et en production interactive, Marie-Pier Gauthier a collaboré à plus de 100 œuvres interactives (The Enemy, Do Not Track, Way To Go) récompensées par plus d’une centaine de prix au Canada et à l’international.
Producteur de l'ONF, Louis-Richard Tremblay travaille sur des projets qui combinent contenu éditorial, design de pointe, technologies et plateformes sociales, où l'interactivité soutient la création d'univers expérientiels et narratifs explorant les phénomènes qui transforment les individus et la société. Après avoir étudié les sciences politiques et fait une brève incursion dans le domaine de l'architecture, il se passionne pour la radio aux débuts de l'Internet. En 2001, il a rejoint le site web multimédia multiplateforme, l'émission de radio et de télévision Bande à part, où il a dirigé plusieurs équipes de créateurs numériques et de journalistes pour la Société Radio-Canada. Il a produit plus d'une centaine d'œuvres qui ont remporté de nombreux prix sur la scène locale et internationale. travaille sur des projets qui combinent contenu éditorial, design de pointe, technologies et plateformes sociales, où l'interactivité soutient la création d'univers expérientiels et narratifs explorant les phénomènes qui transforment les individus et la société. À l'ONF depuis 2013, il a surtout travaillé sur des coproductions internationales. Son travail le plus récent concerne notre société connectée et imprégnée de technologie, qui se joue dans des expériences portables et des environnements immersifs. Il a encadré d'innombrables créateurs.trices et producteurs.trices sur des projets de petite et grande envergure et donne régulièrement des conférences et des master class dans des universités et des festivals. Il est motivé par le plaisir de travailler avec des équipes de créateurs qui unissent leurs forces pour repousser les limites de leur métier.
Myriam Achard ipossède près de 25 années d'expérience dans le domaine de la culture et des communications. Elle a travaillé chez Spectra où elle a été en charge des relations de presse pour de grands événements montréalais dont le Festival de Jazz, les Francofolies et Montréal en lumière. Elle a également travaillé au Festival de Berlin et au Festival de Cannes.
Depuis les 14 dernières années, elle travaille aux côtés de Phoebe Greenberg au développement et à la promotion de la scène artistique d’avant-garde canadienne et internationale. En tant que responsable des partenariats nouveaux médias et des relations publiques, elle parcourt le monde à la recherche des œuvres les plus innovatrices et immersives afin de les présenter à Montréal. Au cours des dernières années, elle a concentré une belle part de son énergie à la représentation de PHI à l’international. Créer un réseau de distribution de projets sur lesquels Phi prend part aujourd’hui en tant que co-producteur, opérateur, et distributeur. Phi exporte son impulsion créatrice sur trois continents, de New York à Tokyo, en passant par Venise. En plus de siéger sur le CA de Tourisme Montréal, elle siège sur les CA de C2 Mtl, Culture Montréal, Montréal en Histoires et Québec Innove.
Samara est documentariste, programmatrice et chercheuse. Elle a programmé des films et des conférences pour HotDocs à Toronto, la Biennale de Berlin, le Festival international du documentaire de Montréal (RIDM), le Points North Institute et le Camden International Film Festival (CIFF), ainsi que pour le Goethe-Institut (VR:RV 2018, New Nature 2020).
Le premier long métrage documentaire de Samara, 1999, a été présenté en première en 2018 à Visions du réel, et a depuis joué dans plus de 30 festivals et institutions dans le monde entier, dont HotDocs, DokuFest Kosovo, BAFICI et le Musée de l'image animée.
Samara est titulaire d'une maîtrise de la Freie Universitaet Berlin et d'un doctorat en études culturelles de l'Universidade Federal Fluminense (Brésil), de l'Universita degli Studi di Bergamo (Italie) et de Paris III - Sorbonne Nouvelle (France).
