Die virale Stadt

Die (Groß-)Stadt nach COVID-19

Die Stadt während bzw. nach Covid-19 – in dem Ausdruck schwingen Sehnsüchte städtischer Utopisten nach grünen und autofreien Innenstädten, breiten Gehwegen – ja ganzen Flaniermeilen –, ausladenden Fahrradstraßen und zu Terrassen umgebaute Parkplätze. Gleichzeitig waren und sind die am dichtesten besiedelten urbanen Stadtzentren auch die während der Krise am härtesten getroffenen Spots: Wir denken dabei an dystopische Szenarien ausgestorbener Innenstädte, leere Straßen, verschlossene Ladenzeilen und ein quasi eingefrorenes kulturelles Leben und mittendrin temporäre Teststationen auf öffentlichen Plätzen, zu Krankenstationen umgebaute Parkhäuser und öffentliche Parks. 

Unser Aufruf richtete sich an Künstler*innen aus Deutschland und Kanada. Die eingereichten Videoarbeiten beschäftigten unter anderem mit folgenden Fragen: Wie lebt es sich in der (Groß-)Stadt während einer Pandemie? Wie wirken sich soziale Regeln und medizinische Hygienevorgaben auf unsere Körper aus? Wie bewegen wir uns im urbanen Raum? Wie interagieren und kommunizieren wir miteinander in Zeiten des social distancing? Und vor allem, wie halten wir es noch Zuhause aus?  

Die Werke blicken auf ungewisse - vielleicht sehr menschenleere - Zukünfte, richten das Augenmerk aber auch auf die Tatsache, dass in einigen Teilen der Welt - in Konflikt- und Kriegsgebieten und in unfreien Gesellschaften - das Eingeschlossensein auch ohne Pandemie traurige Realität ist. 
 

Die Künstler*innen und ihre Arbeiten

Vom 15. Oktober bis 31. Oktober 2020
 

© Jens Pecho Der Film kombiniert eine Szene des Thrillers Copycat (1995) mit einem Mitschnitt des künstlerischen Arbeitsprozesses des Filmemachers. Dabei werden Fragen künstlerischer Originalität sowie die Automatismen kreativer Verwertungslogik beleuchtet, die selbst die aktuelle Gesundheitskrise nutzbar machen sollen. Housebound wurde von den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen gefördert und ist Beitrag zur Frage des Festivals: „Kann und muss man jetzt Filme machen?“ 
  Vom 1. November bis 15. November 2020
  Jardins Paradise | © Yza Nouiga Garten Eden, jardin à la française, Englisch, Zen, Bahai, arabisch-islamisch: Gärten spiegeln Geschichte, Kultur und Erbe wider. Sie sind einige der seltenen Orte, an denen Intimität, Versammlungen, Spaß und Religion nebeneinander existieren. Jardins Paradise lenkt ironischerweise das Bild des Gartens als Verkörperung eines paradiesischen Garten Edens ab. Er hebt den bürgerlichen Erfindungsreichtum von Gemeinschaften hervor, die durch einen Mangel an Grün in ihrer Nachbarschaft stigmatisiert sind, sowie den Beitrag der ethnokulturellen Vielfalt zur Stadtlandschaft.

Der Film stellt sich vor, wie junge Mitglieder der arabischen Diaspora in Montreal mit den zur Verfügung stehenden Mitteln eine säkulare und demokratische Version des Gartens im arabisch-islamischen Stil entwickeln. Ein Parkplatz, eine Trockenzone ähnlich der Wüste, in der diese Gärten ursprünglich entstanden sind, wurde in einen ephemeren Garten umgewandelt. In Treue zu den Hauptbestandteilen des arabisch-islamischen Stils ist die Wasserquelle das Herzstück, Plätze mit Pflanzen besetzen die Parkplätze, ebenso wie Blumen und Früchte, und die Kontemplation ist die Hauptaktivität. Die Natur wird künstlich dargestellt, da sie nur ein momentanes Paradies ist, das der individuellen Freizeitgestaltung dient.

Und was wäre, wenn das Paradies nichts anderes wäre als ein grüner Parkplatz, der nach den eigenen Vorlieben gestaltet ist?
  Vom 7. Dezember bis 22. Dezember 2020
  © Lukas Marxt Das Imperial Valley ist eine der bedeutendsten Regionen industrieller landwirtschaftlicher Produktion Kaliforniens. Rein geologisch Teil der Sonora-Wüste wird es durch ein riesiges Bewässerungssystem, das den Colorado-River anzapft, wie auch den eigens dafür angelegten All-American Canal – durch die Migrationsbewegung von Mexiko in die USA zu trauriger Berühmtheit gelangt – urbar und für die landwirtschaftliche Super-produktion bestens verwertbar gemacht. Der Abfluss dieses Systems von Rohren, Pumpen und Kanälen führt in die Salton Sea, ein künstlich angelegter See, der ebenso wie die angrenzenden Regionen Mexikos, auf eine ökologische wie ökonomische Katastrophe zusteuert.

Lukas Marxt nähert sich in Imperial Valley (cultivated run-off) diesem Problem auf sehr hinterlistige Weise: Er beginnt mit der Vogelperspektive auf einen Bewässerungskanal in einer Wüstenlandschaft. Die Drohnen-Kamera fliegt diesen Kanal ab und zeigt schließlich in weiterer Folge Landschaften des Imperial Valley aus derselben Perspektive, die ebenso überflogen werden. Zu Beginn nicht mehr als spektakuläre Dokumente landwirtschaftlicher Monokulturen, werden die Einstellungen – nicht zuletzt durch den einsetzenden elektronischen Score – immer abstrakter. Handelt es sich noch um real existierende Landschaften oder künstlich simulierte? Diese Ambiguität ist genau der Punkt: Das Imperial Valley wird zum „Uncanny Valley“, zum Ort der noch nicht oder gerade nicht mehr „natürlich“ und dadurch unheimlich erscheint. Die Landschaft nach der Landschaft (oder ihrer mediatisierten Repräsentation) ist ein geometrisches Konzept von Linien, Flächen, Punkten und Farbflecken, egal ob belebten oder unbelebten Ursprungs. Von Menschen gemacht, ist für diese darin jedoch kein Platz mehr, weder ontologisch, noch tatsächlich. Die Post-Apokalypse muss gar nicht mehr stattfinden, wir sind bereits mitten drin. (Claudia Slanar) 
  Vom 5. Januar bis 20. Januar 2021
  © Lamia Chraibi, Marion Chuniaud-Lacau In einer Welt in der Warteschleife wird eine gemeinsame Geschichte geschrieben. Ohne Sicht, ohne Berührung bewegen sich die Körper im Rhythmus der Einsamkeit. In ihrer Existenz gefangen, sind sie ungeduldig und verschlungen geworden. Sie rollen und strecken sich. In der Morgendämmerung des Wahnsinns durchbrechen sie den Status quo. In einem schöpferischen Impuls stehen sie gemeinsam auf und bringen uns zur Aufgabe der Gedanken. Tief in ihrem Inneren werden sie jedoch wissen, dass dies eines Tages nur noch Erinnerungen sein werden. Erinnerung ist Fiktion. Sie hat keinen Namen und keine Farbe. Und oft stehen wir vor einem Schwindelgefühl und vergessen am Ende alles. Nur unser Körper wird weiter vibrieren. Deshalb müssen wir hinausgehen und tanzen.

STATU QUO ist ein experimenteller Kurzfilm, der dank der aussergewöhnlichen Beteiligung von zehn Tänzerinnen und Tänzern aus Montreal entstanden ist, die zum ersten Mal seit der Covid-19-Pandemie vor den Kameras von Chraibi und Chuniauds aufgetreten sind. In den Straßen von Montreal haben sie einen Tanz improvisiert, allein oder zusammen. Ohne Choreographie oder Regie haben sie mit ihren Körpern und Augen ausgedrückt, was wir seit Monaten erleben und was die Zukunft bringt. Chraibi und Chuniaud haben ihre Bewegungen eingefangen und manchmal die Qual der Isolation oder die Freude des Wiedersehens inspiriert. Dieser Film ist ein Zeugnis der Bande, die sie verbinden, und der gemeinsamen Geschichte, die von ihren Körpern geschrieben wird.
  Vom 21. Januar bis 4. Februar 2021
  © Kerstin Honeit Die Arbeit Why or Why not? wurde von den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen in Auftrag gegeben. Lars Henrik Gass, der Festivaldirektor, bat Filmemacher*innen während des Lockdowns in Deutschland um einen Videobeitrag der die Frage verhandelt: Kann und soll man jetzt Filme machen?

Die Herausforderung, einen Film ohne Crew vor oder hinter der Kamera zu produzieren, war für Honeit weniger interessant als die massive Perspektivverschiebung des eigenen Tuns zu untersuchen, angesichts einer weltweiten Pandemie. Deshalb hat sie die Frage auf Why or Why not? reduziert, die weniger nach den Möglichkeiten oder Unmöglichkeiten einer Fortführung (künstlerische) Praxis im Lockdown fragt, als vielmehr generell ein Fortschreiben des Lebens ‚wie gehabt‘ im Zeitalter des Kapitalozäns infrage stellt.

Die Kamera, die während des ersten Lockdowns in den Straßen Berlins im März 2020 aufgestellt wurde, rahmt mehrere Tableaux vivants des neuen Corona-Alltags mit Kommentaren analoger Texttafeln, die in das Bild gehalten werden. Zwei gegenläufige Erzählungen werden in unheimlicher Vertrautheit vorgestellt.
  Vom 5. Februar bis 20. Februar 2021
  © Andrée-Anne Roussel Eine Performance-Künstler, ein schlafender Mann, ein sich küssendes Paar... {null} ist ein kontemplativer Kurzfilm an der Grenze zwischen Dokumentarfilm und Fiktion, der sich aus zehn fixierten Tableaus zusammensetzt. Ein impressionistisches Porträt, in dem wir Individuen auf der Suche nach Sinn und realen Zusammenhängen beobachten.
  Vom 21. Februar bis 7. März 2021
  © Beatrice Moumdjian Sachstandsdokumentation (Nr. 0617 - 0918) | Documentation Report (No. 0617 - 0918)

Sachstandsdokumentation ist eine fortlaufende Serie von kurzen episodenförmigen Filmsequenzen. Die Protagonistin ist eine Frau, deren Kopf einer Überwachungskamera gleicht. Sie wird durch diese Prothese selbst zu einer überwachenden Entität. In den verschiedenen Episoden wird sie beobachtet, wie sie in ehemaligen sozialistischen Städten durch fast menschenleere Straßen geht und Überwachungskameras betrachtet und von ihnen betrachtet wird. Oft befinden sich diese Kameras im Umkreis von Gebäuden denen eine gesellschaftlich signifikante Rolle zukommt, zum Beispiel dem Bundesnachrichtendienst in Berlin oder dem Nationalen Kulturpalast in Sofia.
Die Filmemacherin hat persönliche Bezüge zu allen Orten, an denen sie und ihr Cinematograph Lars Preisser gefilmt haben. Zum Beispiel wurde sie vor dem Fall der Berliner Mauer in Sofia während des sozialistischen Regimes geboren, und hat nun viele Jahre später die Straße gefilmt/ überwacht, auf der sie einst gewohnt hatte.
Ihre Familie war, wie viele Menschen im Sozialismus, von Staatsüberwachung betroffen, was ein Detail ist, über das sie nur wenig weiß.
  Vom 8. März bis 22. März 2021
  © Cinzia Campolese Confinement.lands ist ein Projekt, das während der Confinement-Periode begonnen wurde. Es besteht aus einem Korpus von Werken, von denen eines ein Video-Triptychon ist, das mit Hilfe von Aufnahmen von Fotogrammetrien erstellt wurde, die während der Zeit der Gefangenschaft von einer Web-Plattform (Display land) aus gemacht wurden und Häuser, Orte und Menschen der Gefangenschaft auf der ganzen Welt darstellen. Das Stück soll einen Ausblick auf die Wiederaneignung intimer Räume und das Verschwinden der Rolle des Urbanismus geben und diese vollständig durch eine virtuelle Rolle ersetzen. Die Abschaltung eines großen Teils unserer kapitalistischen Maschine hat in unseren gebauten öffentlichen Räumen, Stadtvierteln, Straßen und Spielplätzen eine leere Bedeutung geschaffen und den Fokus auf die wichtigen Konzepte unserer bereits beschädigten sozialen Struktur gelegt: von der Vorstellung von Zeit und hysterischem Massenkonsum und -produktion bis hin zur letztendlichen Ausweitung unserer sozialökonomischen Ungleichheiten.
 

Die Jury